“Y ya que juegas, elige bien tu carta.
Y ya que eliges... piensa bien la elección,
pues has de saber que ya no se
cambia y es una vida lo que dura, y
lo que te juegas, tu corazón”.
En la cuidad de Granada existe un gran artista, de los mejores que he visto. Empieza a pintar sobre el año 1991 desde entonces su total necesidad de pintura en las manos lo ha llevado a cometer grandes atrocidades, comenta en su página web. Decora fachadas, su nombre dicho en bajito es Raúl Ruiz, pero le conocen por el niño de las pinturas, también bajo el sobrenombre de SEX. Un artista que empezando en la calle, ha logrado el reconocimiento en galerías y museos.
Sus Pinturas poseen un poder magnético y mágico, no pasan desapercibidas.
Siluetas hiperrealistas, pero algo oníricas… en una atmósfera de pasión y tristeza. Sus personajes parecen estar encerrados y nos animan a participar de ese estado de ánimo.
Otras veces nos miran, observan la calle …
Suelen ir acompañadas de frases más o menos ocultas, una forma de preguntar a la vida.
Su obra supera los 2.000 murales repartidos por países como Venezuela o Hungría.
Tiene el reconocimiento de los
que entienden de arte callejero,
dentro y fuera del Estado, y no para
de viajar para seguir con este “juego”,
para aprender y enseñar...
jueves, 15 de diciembre de 2011
El papa Inocencio X
Papa Inocencio X (Diego Velázquez)
El papa Inocencio X era un magnánimo príncipe de la iglesia y un amante exigente de las artes, pero con poca influencia en la curia vaticana. Pese a todo, se le tenía por buen Papa; especialmente en España. Había tomado partido por los españoles en varias disputas reales y Diego de Velázquez (1599-1660), el pintor del rey Felipe IV, pinto su retrato en 1650, cerca de trescientos años más tarde, ese retrato se convirtió en la obsesión de un artista muy moderno, Francis Bacon. Su fascinación por el cuadro no empezó hasta 1949: "Creo que es uno de los mejores retratos que se han hecho nunca y estoy obsesionado con él. Compró un libro tras otro donde aparece la ilustración del Papa (Inocencio X), de Velázquez, porque me persigue y despierta en mi todo tipo de sensaciones..."
Bacon ejecutó más de veinticinco variaciones de la obra de Velázquez, entre ellas cabeza VI. Dijo que había tratado de trabajar la pintura para que se pareciera a "la piel de un hipopótamo", aunque en otros aspectos pintó el cuadro para que fuera "como Velázquez". Sin embargo, Bacon no había visto nunca el retrato original, que está en la Galería Doria Pamphili, de Roma. Bacon afirmaba que durante dos años o tres estaba tan extasiado por el retrato que intentó pintar una obra igual. Pensaba que, en parte, lo que imaginaba era el magnifico manejo del color. O quizá , el alto cargo de Inocencio X, que, contemplaba el mundo desde el trono de un soberano.
El Papa tenía el aspecto de un héroe trágico. Esto es lo que Bacon quería dibujar, pero a diferencia de Velázquez, desgarraba la fachada oficial para desvelar al hombre interior.
El Papa Inocencio X de Bacon no nos mira ex cathedra. Es una persona privada, un ser solitario cuyos sufrimientos, consecuencia de su soledad, le son arrancados de un grito...
Inocencio X, Estudio sobre el retrato de Velázquez (Francis Bacon)
miércoles, 26 de octubre de 2011
curiosidades II
---James Scott, duque de Monmouth (1649-1685), hijo ilegítimo del rey Carlos II de Inglaterra (1630-1685), fue decapitado acusado de rebeldía, en una ejecución que necesitó hasta cinco golpes de hacha. Sin embargo, antes de ser enterrado, se tomó la decisión de realizar un retrato del duque que legase sus rasgos a la posteridad. Se volvió a coser la cabeza del duque a su cuerpo y pintaron el retrato, que en la actualidad se encuentra en el Nacional Gallery de Londres.
---El óleo de 1928 de la pintora estadounidense Georgia O’ Keefe titulado” Oriental Poppies” (“Amapolas Orientales”), que se exhibe en el museo de la universidad de Minnesota, en Estados Unidos, estuvo colgado verticalmente durante treinta años, cuando en realidad fue pintado en sentido horizontal.
--- En 1961, se expuso colgado boca abajo durante 47 días en el Museo de Arte Moderno de New York el cuadro “Le Bateau” (El Barco) del pintor francés Henri Matisse (1869-1954), antes de que alguien se diera cuenta del error. En ese tiempo, se calcula que el lienzo pudo tener aproximadamente unos 116.000 espectadores.
---El célebre cuadro la Gioconda fue adquirido en 1517 por el rey Francisco I de Francia (1494-1547) , en cuya corte pasó Leonardo da Vinci los tres últimos años de su vida. El monarca francés, que pagó la entonces respetable cifra de 492 onzas de oro, o utilizó para decorar su cuarto de baño.
---En 1939, el músico californiano Ernest Vicent Wright publicó la novela Gadsby (de unas 50.000 palabras) escrita con la curiosa premisa de no contener ni una sola letra “e”. Treinta años después, en 1969, apareció la novela francesa “La desaparición” que igualmente, tampoco contiene en todo el texto la letra “e”. Por su parte, Jacob Thurber escribió en una ocasión una historia ficticia de un país inexistente en el que no se permitía emplear la vocal “o”.
---Según cronistas de la época de total fiabilidad, hacia el año 1920 se hizo muy famoso en Madrid el arte de un “Bailaor” apodado “Mate Sin Pies” por la extraña e inverosímil circunstancia, en un bailarín, de tener amputadas las dos piernas a la altura de las rodillas.
---Según el registro civil, el verdadero nombre de Pablo Picasso (1881-1973) era Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso.
---Un marchante de obras de arte compró en cierta ocasión un retrato de boda, atribuido al pintor ruso Marc Chagall. Observando que faltaba la firma del artista, el marchante le visitó y le pidió que lo firmara. Después de observar durante un rato la obra. Chagall dijo: “Un bonito trabajo. Pero he pintado tanto que apenas me acuerdo de él y lo firmó. El verdadero autor de la obra había sido el famoso falsificador Lotear Malskat. Sin embargo, descubierto el engaño, el cuadro, por la curiosidad de esta anécdota, fue comprado por un coleccionista a un precio similar al que hubiera alcanzado si se hubiese tratado de un autentico “Chagall”
---El óleo de 1928 de la pintora estadounidense Georgia O’ Keefe titulado” Oriental Poppies” (“Amapolas Orientales”), que se exhibe en el museo de la universidad de Minnesota, en Estados Unidos, estuvo colgado verticalmente durante treinta años, cuando en realidad fue pintado en sentido horizontal.
--- En 1961, se expuso colgado boca abajo durante 47 días en el Museo de Arte Moderno de New York el cuadro “Le Bateau” (El Barco) del pintor francés Henri Matisse (1869-1954), antes de que alguien se diera cuenta del error. En ese tiempo, se calcula que el lienzo pudo tener aproximadamente unos 116.000 espectadores.
---El célebre cuadro la Gioconda fue adquirido en 1517 por el rey Francisco I de Francia (1494-1547) , en cuya corte pasó Leonardo da Vinci los tres últimos años de su vida. El monarca francés, que pagó la entonces respetable cifra de 492 onzas de oro, o utilizó para decorar su cuarto de baño.
---En 1939, el músico californiano Ernest Vicent Wright publicó la novela Gadsby (de unas 50.000 palabras) escrita con la curiosa premisa de no contener ni una sola letra “e”. Treinta años después, en 1969, apareció la novela francesa “La desaparición” que igualmente, tampoco contiene en todo el texto la letra “e”. Por su parte, Jacob Thurber escribió en una ocasión una historia ficticia de un país inexistente en el que no se permitía emplear la vocal “o”.
---Según cronistas de la época de total fiabilidad, hacia el año 1920 se hizo muy famoso en Madrid el arte de un “Bailaor” apodado “Mate Sin Pies” por la extraña e inverosímil circunstancia, en un bailarín, de tener amputadas las dos piernas a la altura de las rodillas.
---Según el registro civil, el verdadero nombre de Pablo Picasso (1881-1973) era Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso.
---Un marchante de obras de arte compró en cierta ocasión un retrato de boda, atribuido al pintor ruso Marc Chagall. Observando que faltaba la firma del artista, el marchante le visitó y le pidió que lo firmara. Después de observar durante un rato la obra. Chagall dijo: “Un bonito trabajo. Pero he pintado tanto que apenas me acuerdo de él y lo firmó. El verdadero autor de la obra había sido el famoso falsificador Lotear Malskat. Sin embargo, descubierto el engaño, el cuadro, por la curiosidad de esta anécdota, fue comprado por un coleccionista a un precio similar al que hubiera alcanzado si se hubiese tratado de un autentico “Chagall”
martes, 25 de octubre de 2011
Curiosidades 1
---En el minueto “al rovescio “(es decir “al revés”) de la Sonata para piano en do de Franz- Joseph Haydn (1732-1809), el segundo movimiento es exactamente igual al primero, pero interpretado al revés, Con el recurso conocido como recurrencia. Igualmente, en una parte del Pierrot Lunaire, de Arnol Schoenberg (1874-195), la música avanza hacía adelante hasta la mitad de la pieza, y a partir de ahí se toca exactamente igual pero al revés. Paul Hindermith (1895-1963) escribió algo aún mejor: en su obra Ludus Tonale, el postludio es, con la adición de un acorde final, igual al preludio, pero la partitura está tocada hacia arriba, hacia abajo y al revés.
---Viendo el pintor Edouard Monet (1832-1883) que sus cuadros eran sistemáticamente rechazados por todos los salones y galerías de exposiciones, No tuvo reparos en sufragarse él mismo un pabellón particular donde exponer sus cuadros un la Feria Universal de París de 1867. En dicho salón, que fue denominado "Salón de los Rechazados", dio cobijo, además de a cincuenta de sus obras, a las de muchos de sus amigos que comenzaban a revolucionar la pintura moderna.
---La Obra del compositor estadounidense John Cage (1912-1992) titulada Paisaje Imaginario nº4(1953), suena necesariamente distinta en cada interpretación. Es imposible que suene igual salvo que se trate de una grabación, pues esta obra está compuesta para doce receptores de radio sintonizados al azar.
---Claro que obras musicales especiales a habido muchas. Por ejemplo, en cierta ocasión el rey Luís XI de Francia (1423-1483) ideó un nuevo divertimento musical para su corte. La novedad consistió en reunir una piara de cerdos en concierto. La "notas" se conseguían pinchando a los animales con distinta intensidad para que emitiesen un diferente chillido.
---En 1601, el pintor italiano Michelangelo Merisi o Amerighi, llamado el Cravaggio (1573-1610) recibió el encargo de pintar un cuadro sobre la muerte de la Virgen. Para añadir realismo a la obra, el pintor recurrió a utilizar de modelo el cadáver de una mujer ahogada en el río Tíber. Al conocer este hecho, los clientes, escandalizados, rechazaron la obra.
---Se ha calculado que si un copista transcribiera toda la obra musical de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Empleara unos veinticinco años en completar su labor, trabajando diez horas al día. Mozart pasa por ser el compositor (entiéndase que de calidad contrastada) más precoz y más rápido que ha existido nunca: por ejemplo, compuso ópera “La clemencia de Tito en Sólo 18 días y en otra ocasión compuso, transcribió , ensayó y estrenó en sólo cinco días su sinfonía en C mayor “kengel 425, conocida como Linz.
---El pintor neoclásico francés Jacques Louis David (1748-1825), pintor de cámara de Napoleón, solía pintar figuras de la mitología y la historia de las antiguas Grecia Y Roma caracterizadas por su fuerte musculatura, siempre desnudas y tocadas con unos cascos muy anacrónicos que a casi todos los que los observaban recordaban a los utilizados por los bomberos. De tan chocante referencia se dio justamente en llamar a estos personajes romanos pintados por David "pompiers", es decir, “bomberos”. Desde entonces, por extensión, se suele llamar así al estilo, al pintor o a la obra que no están inspirados en la realidad o en la observación, sino que se basan en tópicos y convencionalismos de dudosa veracidad historica.
---El pintor holandés Vicent van Gohg (1853-1890), en las fases agudas de su locura, sólo podía conciliar el sueño si rociaba el colchón y la almohada con alcanfor. Más y mejor conocido es que van Gogh intentó matar, en un acceso de locura, a su amigo y colega Paul Gauguin. Arrepentido de su acción, se autolesionó, cortándose parcialmente una oreja. Aunque sus crisis de demencia se debieron al parecer, a un problema de tipo genético, también contribuyó a ellas su escaso éxito artístico. Según todas las pruebas aportadas por biógrafos, de los 879 cuadros que se ha calculado que pintó en total, van Gogh sólo vendió un cuadro en vida: el titulado : “La viña roja”
---Se cuenta que el extravagante y romántico violinista italiano Niccoló paganini (1782-1840) estaba tan obsesionado con su calidad artística tan pagado de sí mismo que en ocasiones tocaba con cuerdas de violín gastadas, con la esperanza de que se rompieran en mitad de una interpretación y así el pudiese demostrar su virtuosismo en tal situación extrema. Además de sus dotes naturales (que eran de tal calibre que se corrió la voz de que eran fruto de un pacto con el diablo), su excepcional calidad técnica era fruto de un constante ejercicio que llegó a deformar tanto sus manos que, extendidas, median cada una 45 cm.
---Viendo el pintor Edouard Monet (1832-1883) que sus cuadros eran sistemáticamente rechazados por todos los salones y galerías de exposiciones, No tuvo reparos en sufragarse él mismo un pabellón particular donde exponer sus cuadros un la Feria Universal de París de 1867. En dicho salón, que fue denominado "Salón de los Rechazados", dio cobijo, además de a cincuenta de sus obras, a las de muchos de sus amigos que comenzaban a revolucionar la pintura moderna.
---La Obra del compositor estadounidense John Cage (1912-1992) titulada Paisaje Imaginario nº4(1953), suena necesariamente distinta en cada interpretación. Es imposible que suene igual salvo que se trate de una grabación, pues esta obra está compuesta para doce receptores de radio sintonizados al azar.
---Claro que obras musicales especiales a habido muchas. Por ejemplo, en cierta ocasión el rey Luís XI de Francia (1423-1483) ideó un nuevo divertimento musical para su corte. La novedad consistió en reunir una piara de cerdos en concierto. La "notas" se conseguían pinchando a los animales con distinta intensidad para que emitiesen un diferente chillido.
---En 1601, el pintor italiano Michelangelo Merisi o Amerighi, llamado el Cravaggio (1573-1610) recibió el encargo de pintar un cuadro sobre la muerte de la Virgen. Para añadir realismo a la obra, el pintor recurrió a utilizar de modelo el cadáver de una mujer ahogada en el río Tíber. Al conocer este hecho, los clientes, escandalizados, rechazaron la obra.
---Se ha calculado que si un copista transcribiera toda la obra musical de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Empleara unos veinticinco años en completar su labor, trabajando diez horas al día. Mozart pasa por ser el compositor (entiéndase que de calidad contrastada) más precoz y más rápido que ha existido nunca: por ejemplo, compuso ópera “La clemencia de Tito en Sólo 18 días y en otra ocasión compuso, transcribió , ensayó y estrenó en sólo cinco días su sinfonía en C mayor “kengel 425, conocida como Linz.
---El pintor neoclásico francés Jacques Louis David (1748-1825), pintor de cámara de Napoleón, solía pintar figuras de la mitología y la historia de las antiguas Grecia Y Roma caracterizadas por su fuerte musculatura, siempre desnudas y tocadas con unos cascos muy anacrónicos que a casi todos los que los observaban recordaban a los utilizados por los bomberos. De tan chocante referencia se dio justamente en llamar a estos personajes romanos pintados por David "pompiers", es decir, “bomberos”. Desde entonces, por extensión, se suele llamar así al estilo, al pintor o a la obra que no están inspirados en la realidad o en la observación, sino que se basan en tópicos y convencionalismos de dudosa veracidad historica.
---El pintor holandés Vicent van Gohg (1853-1890), en las fases agudas de su locura, sólo podía conciliar el sueño si rociaba el colchón y la almohada con alcanfor. Más y mejor conocido es que van Gogh intentó matar, en un acceso de locura, a su amigo y colega Paul Gauguin. Arrepentido de su acción, se autolesionó, cortándose parcialmente una oreja. Aunque sus crisis de demencia se debieron al parecer, a un problema de tipo genético, también contribuyó a ellas su escaso éxito artístico. Según todas las pruebas aportadas por biógrafos, de los 879 cuadros que se ha calculado que pintó en total, van Gogh sólo vendió un cuadro en vida: el titulado : “La viña roja”
---Se cuenta que el extravagante y romántico violinista italiano Niccoló paganini (1782-1840) estaba tan obsesionado con su calidad artística tan pagado de sí mismo que en ocasiones tocaba con cuerdas de violín gastadas, con la esperanza de que se rompieran en mitad de una interpretación y así el pudiese demostrar su virtuosismo en tal situación extrema. Además de sus dotes naturales (que eran de tal calibre que se corrió la voz de que eran fruto de un pacto con el diablo), su excepcional calidad técnica era fruto de un constante ejercicio que llegó a deformar tanto sus manos que, extendidas, median cada una 45 cm.
domingo, 23 de octubre de 2011
Un mundo excéntrico (El dadaísmo)
Durante la primera guerra mundial, cierto número de escritores, pintores y músicos dieron vida a un movimiento cultural cuyo objetivo era la destrucción de los valores de la clase media que, según ellos, habían conducido a Europa a la contienda.
El movimiento se denominó “dadaísmo” y sus seguidores llevaban una vida deliberadamente excéntrica. Trataron de desacreditar todos los valores burgueses mediante una campaña de insultos librada contra todo aquel no dispuesto a adoptar sus principios. Los instrumentos de esta revolución fueron esculturas, cuadros y poesías que escandalizaron y ofendieron al público.
El movimiento se inició en Zurich en 1916, con la fundación del Cabaret Voltaire en un bar popular. Allí se celebraban incoherentes recitales, subrayados por campanadas, tamborileos y gritos.
El dadaímo evolucionó a través de la confusión y de las contradicciones de las creencias establecidas. Incluso su nombre es un misterio. El francés Hans Arp declaró : !Afirmo que Tristan Tzara fundó la palabra el 9 de febrero de 1916 a las 6 de la tarde. Estaba presente con mis doce hijos cuando Tzara pronunció esa palabra que nos llenó de justificado entusiasmo. Estoy convencido de que esa palabra no tiene importancia, y que sólo los imbéciles o los profesores españoles pueden interesarse por las fechas”.
“Imbéciles” fue uno de los términos más amables empleados por la respetable prensa suiza al describir al poeta Tzara, de origen ruso y a su compañero “artista” el alemán Hugo Ball
Pavoneándose en escena vestido con un cilindro azul de cartón y un cuello rojo, Ball fue la primera persona que utilizó las cegadoras luces rojas habituales en las discotecas de hoy. Pero con la misma rapidez que había aparecido se retiró a una vida casi monástica.
Mientras tanto, el dadaísmo invadió el mundo. En Nueva York dirigió el movimiento Fabian Lloyd, que por razones mejor conocidas por él adoptó el nombre Arthur Craven. Anteriormente, en París Lloyd había sobresaltado a las patrocinadoras de una exposición de arte despojándose de su ropa. No se sabe lo que le ocurrió. Zarpó a México en una pequeña embarcación con el propósito de llegar a Buenos Aires y nuca más se pupo.
El pintor Marcel Duchamp sucedió a Lloyd como cabeza de movimiento. El objetivo de Duchamp era subvertir los convencionalismos artísticos mediante una deliberada campaña “antiarte” en la que figura una versión de Mona Lisa con bigote.
Otra de sus obras consistía en una rueda de bicicleta atada a una silla y una pala quitanieves, titulada “Antes del brazo roto”. La obra maestra de Duchamp le exigió ocho años. Consistía en una composición abstracta formada por pintura, alambre, barniz y polvo de New York retenido entre dos láminas de cristal. Al ser transportado a una exposición en Brooklyn, en 1923, se rompió el cristal, pero Duchamp, imperturbable, anunció la obra con el titulo” El último refinamiento” y la colgó en la exposición. Todo lo hacía con la premeditada intención de rechazar el arte. Irónicamente hoy sus obras se cotizan a precios fabulosos.
Finalmente los dadaístas comprendieron que habían cumplido su misión y dejaron que las generaciones venideras emitiesen su dictamen.
El movimiento se denominó “dadaísmo” y sus seguidores llevaban una vida deliberadamente excéntrica. Trataron de desacreditar todos los valores burgueses mediante una campaña de insultos librada contra todo aquel no dispuesto a adoptar sus principios. Los instrumentos de esta revolución fueron esculturas, cuadros y poesías que escandalizaron y ofendieron al público.
El movimiento se inició en Zurich en 1916, con la fundación del Cabaret Voltaire en un bar popular. Allí se celebraban incoherentes recitales, subrayados por campanadas, tamborileos y gritos.
El dadaímo evolucionó a través de la confusión y de las contradicciones de las creencias establecidas. Incluso su nombre es un misterio. El francés Hans Arp declaró : !Afirmo que Tristan Tzara fundó la palabra el 9 de febrero de 1916 a las 6 de la tarde. Estaba presente con mis doce hijos cuando Tzara pronunció esa palabra que nos llenó de justificado entusiasmo. Estoy convencido de que esa palabra no tiene importancia, y que sólo los imbéciles o los profesores españoles pueden interesarse por las fechas”.
“Imbéciles” fue uno de los términos más amables empleados por la respetable prensa suiza al describir al poeta Tzara, de origen ruso y a su compañero “artista” el alemán Hugo Ball
Pavoneándose en escena vestido con un cilindro azul de cartón y un cuello rojo, Ball fue la primera persona que utilizó las cegadoras luces rojas habituales en las discotecas de hoy. Pero con la misma rapidez que había aparecido se retiró a una vida casi monástica.
Mientras tanto, el dadaísmo invadió el mundo. En Nueva York dirigió el movimiento Fabian Lloyd, que por razones mejor conocidas por él adoptó el nombre Arthur Craven. Anteriormente, en París Lloyd había sobresaltado a las patrocinadoras de una exposición de arte despojándose de su ropa. No se sabe lo que le ocurrió. Zarpó a México en una pequeña embarcación con el propósito de llegar a Buenos Aires y nuca más se pupo.
El pintor Marcel Duchamp sucedió a Lloyd como cabeza de movimiento. El objetivo de Duchamp era subvertir los convencionalismos artísticos mediante una deliberada campaña “antiarte” en la que figura una versión de Mona Lisa con bigote.
Otra de sus obras consistía en una rueda de bicicleta atada a una silla y una pala quitanieves, titulada “Antes del brazo roto”. La obra maestra de Duchamp le exigió ocho años. Consistía en una composición abstracta formada por pintura, alambre, barniz y polvo de New York retenido entre dos láminas de cristal. Al ser transportado a una exposición en Brooklyn, en 1923, se rompió el cristal, pero Duchamp, imperturbable, anunció la obra con el titulo” El último refinamiento” y la colgó en la exposición. Todo lo hacía con la premeditada intención de rechazar el arte. Irónicamente hoy sus obras se cotizan a precios fabulosos.
Finalmente los dadaístas comprendieron que habían cumplido su misión y dejaron que las generaciones venideras emitiesen su dictamen.
sábado, 22 de octubre de 2011
Leonardo da Vinci.
Cuando Leonardo da Vinci (452-1519) trabajó durante doce años en la estatua ecuestre de bronce que debería erigirse en Milán en memoria de Francesco Sforza, padre de su protector, Ludovico Sforza "El Moro", duque de Milán. La estatua, de siete metros de altura, hubiera exigido verter cien mil kilos de metal fundido en un molde con rapidez y la temperatura necesarias para que el enfriamiento fuera uniforme. Al fin, Leonardo diseñó un sistema de hornos múltiples que nunca llegaría a utilizar; una amenaza de guerra hizo que el metal reservado para la estatua fuera destinado a la fabricación de cañones. En 1493, se exhibió en Milán un modelo de arcilla del caballo, que fue aclamado como la obra más bella que jamás se hubiera visto. Al derrotar los franceses a los milaneses en 1499, los arqueros gascones utilizaron el modelo de arcilla para efectuar prácticas de tiro. Los daños causados por las flechas permitieron la entrada de agua en el modelo y, al cabo de algunos años, el caballo quedo totalmente destruido.
Entre los dibujos de diseños e invenciones legados por Leonardo da Vinci los expertos han creído reconocer prototipos y antecedentes de, al menos los siguientes artilugios actuales: El paracaídas, el chaleco salvavidas , la bomba de agua , las aletas para natación, la perforadora de pozos, el barco impulsado por paletas, el carro sin caballos (es decir el automóvil) , la cadena de rodillos, la pistola de vapor, la turbina de agua, una máquina para pulir lentes, las granadas de fragmentación, la ametralladora, el aeroplano, el helicóptero y el submarino. Se dice, incluso que Leonardo inventó también el primer despertador del que se tiene noticia, que consistía en un dispositivo que frotaba los pies del durmiente. Asimismo, se ha comprobado que tuvo nociones o intuiciones respecto a conceptos tan modernos como la fabricación en cadena, los fósiles, la circulación de la sangre, teorías astronómicas no geocéntricas y otras muchas relativas la caída de los cuerpos y a la anatomía. Su poder de observación y su gran habilidad para el dibujo eran tales que sus dibujos de ondas y burbujas en el agua solamente pudieron ser mejorados por la cámara fotográfica. Sin embargo, gran parte de su genio resultó infructuoso. Guardó estas ideas para sí mismo, anotadas en voluminosos cuadernos de notas explicativas escritas de derecha a izquierda, que solo pueden ser leídas en un espejo, hurtando la mayoría de aquellos avances a los ojos de sus contemporáneos. La mayor parte de sus cuadernos permanecieron sin leer publicados hasta bien entrado el siglo XIX , e incluso algunos fueron encontrados y dados a la luz en 1965 en la biblioteca nacional de España de Madrid. De la capacidad y el tesón de Leonardo da Vinci da fe, por ejemplo, el hacho de que, cumplidos ya los sesenta años, sufrió un ataque de parálisis que le inmovilizó el brazo derecho; él no se arrendó por ello y rápidamente aprendió a pintar con la mano izquierda.
Entre los dibujos de diseños e invenciones legados por Leonardo da Vinci los expertos han creído reconocer prototipos y antecedentes de, al menos los siguientes artilugios actuales: El paracaídas, el chaleco salvavidas , la bomba de agua , las aletas para natación, la perforadora de pozos, el barco impulsado por paletas, el carro sin caballos (es decir el automóvil) , la cadena de rodillos, la pistola de vapor, la turbina de agua, una máquina para pulir lentes, las granadas de fragmentación, la ametralladora, el aeroplano, el helicóptero y el submarino. Se dice, incluso que Leonardo inventó también el primer despertador del que se tiene noticia, que consistía en un dispositivo que frotaba los pies del durmiente. Asimismo, se ha comprobado que tuvo nociones o intuiciones respecto a conceptos tan modernos como la fabricación en cadena, los fósiles, la circulación de la sangre, teorías astronómicas no geocéntricas y otras muchas relativas la caída de los cuerpos y a la anatomía. Su poder de observación y su gran habilidad para el dibujo eran tales que sus dibujos de ondas y burbujas en el agua solamente pudieron ser mejorados por la cámara fotográfica. Sin embargo, gran parte de su genio resultó infructuoso. Guardó estas ideas para sí mismo, anotadas en voluminosos cuadernos de notas explicativas escritas de derecha a izquierda, que solo pueden ser leídas en un espejo, hurtando la mayoría de aquellos avances a los ojos de sus contemporáneos. La mayor parte de sus cuadernos permanecieron sin leer publicados hasta bien entrado el siglo XIX , e incluso algunos fueron encontrados y dados a la luz en 1965 en la biblioteca nacional de España de Madrid. De la capacidad y el tesón de Leonardo da Vinci da fe, por ejemplo, el hacho de que, cumplidos ya los sesenta años, sufrió un ataque de parálisis que le inmovilizó el brazo derecho; él no se arrendó por ello y rápidamente aprendió a pintar con la mano izquierda.
viernes, 21 de octubre de 2011
Genio de las falsificaciones
La mayoría de los falsificadores de arte son maestros en un determinado estilo o materia. El falsificador que produce un Matisse pasable hará generalmente una burda imitación de algún otro artista. Pero éste no es el caso de Alceo Dossena.
Dossena, restaurador italiano de esculturas deterioradas, dedicó en 1916 aplicar sus notables dotes a la falsificación. Talló esculturas falsas, en estilos que comprendían desde la antigua estatua griega a las figuras góticas en madera. Podía labrar la piedra, fundir el bronce y cocer terracotas.
Tan prodigiosa era la habilidad de Dossena que los críticos de arte y los entendidos juzgaban a menudo sus imitaciones superiores a las piezas auténticas. Las creaciones artísticas de Dossena en el estilo de Simone Martíni eran especialmente notables. Martíni había sido pintor pero jamás, que se supiera, fue escultor. Docena estudió su cuadro de la “Anunciación” y trasladó la figura de la Virgen a una escultura sedente en madera: Los expertos proclamaron que aquello era un importante descubrimiento y los historiadores de arte se apresuraron a modificar sus textos.
Parte de éxito de Dossena se debía a su habilidad para encontrar materiales auténticos y envejecer sus tallas. Las autenticas esculturas góticas en madera, por ejemplo, eran doradas o pintadas con frecuencia. Para conseguir estos efectos ponía en remojo tallas policromadas antiguas, de poco valor, y marcos pintados. Utilizaba la madera para hacer nuevas estatuas y aplicaba sobre ellas los fragmentos de pintura que antes había desprendido. Para otorgar a sus esculturas en mármol apariencia de antiguas las sumergía en ácido cuya formula se negó siempre a revelar.
Sus falsificaciones se expusieron en los principales museos. Aunque la creciente cantidad de obras maestras descubiertas en poco tiempo comenzó a despertar sospechas, nadie pudo imaginarse que todas ellas procedían de un solo artista.
Cuando Dossena confesó finalmente haber falsificado varias estatuas famosas, tanto los compradores como los expertos de los museos se negaron a creerle, Incluso hoy día quedan todavía en galerías y colecciones obras suyas atribuidas a viejos mastros..
Dossena, restaurador italiano de esculturas deterioradas, dedicó en 1916 aplicar sus notables dotes a la falsificación. Talló esculturas falsas, en estilos que comprendían desde la antigua estatua griega a las figuras góticas en madera. Podía labrar la piedra, fundir el bronce y cocer terracotas.
Tan prodigiosa era la habilidad de Dossena que los críticos de arte y los entendidos juzgaban a menudo sus imitaciones superiores a las piezas auténticas. Las creaciones artísticas de Dossena en el estilo de Simone Martíni eran especialmente notables. Martíni había sido pintor pero jamás, que se supiera, fue escultor. Docena estudió su cuadro de la “Anunciación” y trasladó la figura de la Virgen a una escultura sedente en madera: Los expertos proclamaron que aquello era un importante descubrimiento y los historiadores de arte se apresuraron a modificar sus textos.
Parte de éxito de Dossena se debía a su habilidad para encontrar materiales auténticos y envejecer sus tallas. Las autenticas esculturas góticas en madera, por ejemplo, eran doradas o pintadas con frecuencia. Para conseguir estos efectos ponía en remojo tallas policromadas antiguas, de poco valor, y marcos pintados. Utilizaba la madera para hacer nuevas estatuas y aplicaba sobre ellas los fragmentos de pintura que antes había desprendido. Para otorgar a sus esculturas en mármol apariencia de antiguas las sumergía en ácido cuya formula se negó siempre a revelar.
Sus falsificaciones se expusieron en los principales museos. Aunque la creciente cantidad de obras maestras descubiertas en poco tiempo comenzó a despertar sospechas, nadie pudo imaginarse que todas ellas procedían de un solo artista.
Cuando Dossena confesó finalmente haber falsificado varias estatuas famosas, tanto los compradores como los expertos de los museos se negaron a creerle, Incluso hoy día quedan todavía en galerías y colecciones obras suyas atribuidas a viejos mastros..
La otra Mona Lisa
La Mona Lisa sonríe misteriosamente No sólo desde las paredes de Louvre (Paris) sino desde la de un piso de Kensington (Londres). Según su custodio el doctor Henry Pulitzer. Esta última no es una reproducción, sino otra versión del propio maestro, Leonardo da Vinci.
A pesar de existir más de sesenta pretendidas Mona Lisas catalogadas en el mundo, el doctor Pulitzer, inventor, sabio y experto en arte, está convencido de la autenticidad de esta otra Mona Lisa.
En su opinión, Leonardo da Vinci ejecutaba generalmente dos o más versiones de sus retratos. El modelo original fue Mona Lisa de Giocondo, mujer de un noble florentino. Por aquel entonces llevaba luto por la muerte de una hija de corta edad y se ponía un velo transparente durante las sesiones.
Leonardo invirtió cuatro años en hacer el retrato y finalmente lo entregó a la familia Giocondo. Entonces, poco antes de marchar a Francia, invitado por Francisco I, Giuliano de Médicis le pidió que hiciese un retrato de su amante, Constanza d’Avalos .Daba la coincidencia de que Constanza no sólo se parecía algo a Mona Lisa, sino que también era apodada “La Gioconda” que significa más o menos “La sonriente”.
Leonardo adaptó una de sus versiones del retrato de Mona Lisa de Giocondo, borrando la cara y pintando la de Constanza. Pero cuando acababa de concluir su trabajo, Giuliano rompió con su amante para contraer un matrimonio muy ventajoso y no compró el cuadro.
Según el doctor Pulitzer, fue este segundo cuadro el que Leonardo se llevo consigo, junto con sus demás obras no vendidas, a Paris. El doctor Pulitzer está convencido de que esta versión –La de Constanza—la que engalana los muros de Louvre.
El otro retrato –el de la mujer de Giocondo que era diecinueve años más joven que “La Gioconda” – permaneció en poder de la familia florentina hasta que finalmente, fue a parar a Inglaterra donde lo adquirió a principios del siglo William Blazer, experto en arte y conservador del Museo de Arte de Holburne of Menstrie , en Bath y posteriormente un grupo suizo al que pertenece el doctor Pulitzer.
El doctor Pulitzer ha hecho examinar el cuadro por el procedimiento de la fotografía microscópica y afirma que las huellas dactilares del bastidor son idénticas a las de otras obras de Leonardo de autenticidad comprobada.
Otra demostración de la autenticidad del cuadro es un apunte tomado por Rafael cuando Leonardo todavía estaba pintando el cuadro en su estudio. En el hay detalles, entre ellos dos columnas en segundo término, que aparecen en el cuadro de Londres, pero no en la versión del Louvre. Asimismo, la modelo más joven del retrato lleva un velo de luto, fino y transparente.
A pesar de existir más de sesenta pretendidas Mona Lisas catalogadas en el mundo, el doctor Pulitzer, inventor, sabio y experto en arte, está convencido de la autenticidad de esta otra Mona Lisa.
En su opinión, Leonardo da Vinci ejecutaba generalmente dos o más versiones de sus retratos. El modelo original fue Mona Lisa de Giocondo, mujer de un noble florentino. Por aquel entonces llevaba luto por la muerte de una hija de corta edad y se ponía un velo transparente durante las sesiones.
Leonardo invirtió cuatro años en hacer el retrato y finalmente lo entregó a la familia Giocondo. Entonces, poco antes de marchar a Francia, invitado por Francisco I, Giuliano de Médicis le pidió que hiciese un retrato de su amante, Constanza d’Avalos .Daba la coincidencia de que Constanza no sólo se parecía algo a Mona Lisa, sino que también era apodada “La Gioconda” que significa más o menos “La sonriente”.
Leonardo adaptó una de sus versiones del retrato de Mona Lisa de Giocondo, borrando la cara y pintando la de Constanza. Pero cuando acababa de concluir su trabajo, Giuliano rompió con su amante para contraer un matrimonio muy ventajoso y no compró el cuadro.
Según el doctor Pulitzer, fue este segundo cuadro el que Leonardo se llevo consigo, junto con sus demás obras no vendidas, a Paris. El doctor Pulitzer está convencido de que esta versión –La de Constanza—la que engalana los muros de Louvre.
El otro retrato –el de la mujer de Giocondo que era diecinueve años más joven que “La Gioconda” – permaneció en poder de la familia florentina hasta que finalmente, fue a parar a Inglaterra donde lo adquirió a principios del siglo William Blazer, experto en arte y conservador del Museo de Arte de Holburne of Menstrie , en Bath y posteriormente un grupo suizo al que pertenece el doctor Pulitzer.
El doctor Pulitzer ha hecho examinar el cuadro por el procedimiento de la fotografía microscópica y afirma que las huellas dactilares del bastidor son idénticas a las de otras obras de Leonardo de autenticidad comprobada.
Otra demostración de la autenticidad del cuadro es un apunte tomado por Rafael cuando Leonardo todavía estaba pintando el cuadro en su estudio. En el hay detalles, entre ellos dos columnas en segundo término, que aparecen en el cuadro de Londres, pero no en la versión del Louvre. Asimismo, la modelo más joven del retrato lleva un velo de luto, fino y transparente.
sábado, 17 de septiembre de 2011
Un tesoro en el escritorio, el papel.
Antes del descubrimiento del papel, los soportes que se utilizaban para escribir eran huesos, caña de bambú, tabillas de madera o tejido de seda. Sin embargo, la seda tenía un coste elevado y el bambú muy pesado.
El papel más antiguo que todavía se conserva data de entre el año 100 y el 200 a.C. Se confeccionaba a partir de trapos de lino. Alrededor del siglo VI, la industria china del papel experimentó un gran auge. Y apareció el papel “SHIUAN” que debe su nombre a Shiuan Chou, el primer lugar de su fabricación.
Una leyenda cuenta que un discípulo del inventor del papel, Tsai Lun, vivió en esta cuidad y trabajó en esta industria. Su mayor deseo era producir un papel ideal, que fuera blanco como para dibujar un retrato de su maestro y hacer un libro. Sin embargo, pese a múltiples experimentos, fallaba una y otra vez. Un día en el valle, vio por casualidad unos árboles caídos junto a un arroyo. Estaban descompuestos y tenían un color blancuzco por efecto del tiempo transcurrido.
Se le ocurrió emplear la corteza de ese árbol para producir papel blanco y finalmente lo consiguió.
Desde entonces, este papel ha sido muy apreciado e indispensable para la caligrafía y la pintura.
Este papel compacto de texturas maravillosas. Favorece la clara distinción de los matices de las tintas; y su absorción es natural, resistente a la polilla, el calor y la luz. Se le denomina “papel precioso de mil años”
Se divide.
SHIUAN CRUDO
SHIUAN MADURO
SHIUAN INTERMEDIO
Este papel hoy día se hace con cortezas de árboles de morera, de paja, arroz, etc. En Occidente se incluye en la denominación de papel de arroz y en la mayor parte de tiendas de bellas artes.
El papel más antiguo que todavía se conserva data de entre el año 100 y el 200 a.C. Se confeccionaba a partir de trapos de lino. Alrededor del siglo VI, la industria china del papel experimentó un gran auge. Y apareció el papel “SHIUAN” que debe su nombre a Shiuan Chou, el primer lugar de su fabricación.
Una leyenda cuenta que un discípulo del inventor del papel, Tsai Lun, vivió en esta cuidad y trabajó en esta industria. Su mayor deseo era producir un papel ideal, que fuera blanco como para dibujar un retrato de su maestro y hacer un libro. Sin embargo, pese a múltiples experimentos, fallaba una y otra vez. Un día en el valle, vio por casualidad unos árboles caídos junto a un arroyo. Estaban descompuestos y tenían un color blancuzco por efecto del tiempo transcurrido.
Se le ocurrió emplear la corteza de ese árbol para producir papel blanco y finalmente lo consiguió.
Desde entonces, este papel ha sido muy apreciado e indispensable para la caligrafía y la pintura.
Este papel compacto de texturas maravillosas. Favorece la clara distinción de los matices de las tintas; y su absorción es natural, resistente a la polilla, el calor y la luz. Se le denomina “papel precioso de mil años”
Se divide.
SHIUAN CRUDO
SHIUAN MADURO
SHIUAN INTERMEDIO
Este papel hoy día se hace con cortezas de árboles de morera, de paja, arroz, etc. En Occidente se incluye en la denominación de papel de arroz y en la mayor parte de tiendas de bellas artes.
"Lo bello es feo y lo feo es bello"
Los historiadores y artistas nos han proporcionado definiciones de lo bello, y hemos podido reconstruir una historia de las ideas estéticas a través de los tiempos. No ocurre igual con la fealdad, que siempre se define por oposición a lo bello, y nunca se le han dedicado estudios extensos.
Decir que belleza y fealdad son conceptos relacionados con épocas y con culturas no significa que no se haya intentado siempre definirlos en relación a un modelo estable.
Se podría sugerir como hizo Nietzsche “Crepúsculo de los ídolos” que “en lo bello el hombre se pone a sí mismo como medida de perfección y “se adora con ello”, el hombre en el fondo se mira en el espejo de las cosas, y considera bello que le devuelve la imagen … lo feo se entiende como señal de degeneración…Todo indicio de agotamiento, de pesadez, senilidad, fatiga, de falta de libertad, el olor , la forma, el color, descomposición… todo esto provoca un juicio de valor feo. ¿A quien se odia? Sin duda la decadencia de su tipo.
La más completa “Estética de lo feo” la elabora Kart Rosenkratz, establece una analogía entre lo feo y el mal moral. Del mismo modo que el mal y el pecado se oponen al bien y son su infierno.
En el mundo cristiano todo el universo es bello porque es obra divina, y esta belleza total incluso redime en cierto modo la fealdad y el mal; no obstante, la expresión humana de la divinidad, Jesucristo, que sufrió por nosotros, es representada en el momento de su máxima humillación.
Siguiendo las huellas de San Agustín encontraremos en el pensamiento escolástico varios ejemplos de justificación de la fealdad en el marco de la belleza total del universo, donde la fealdad y el mal adquieren valor. Se diría que los monstruos son bellos porque son seres y como tales contribuyen a la armonía del conjunto y que aunque el pecado destruye el orden de las cosas, este orden es restablecido por el castigo por lo cual los condenados al infierno son ejemplo de una ley de armonía. Pero también es posible atribuir la impresión de fealdad a efectos de percepción, falta de luz distancia incorrecta, o atmósfera neblinosa.
“San Agustín, (S.IV-V)”
“¿Hay algo más tétrico que un verdugo?
¿Hay algo más feroz y cruel que ese espíritu? Pero en las leyes ocupa un lugar necesario y forma parte del orden de un estado bien gobernado(…) ¿Hay algo que pueda considerarse más repugnante que las prostitutas. Los proxenetas y otras plagas al estilo? Haz desaparecer a la meretrices de la sociedad y lo convulsionarás todo con pasiones desordenadas. Ponlas en el puesto de las honestas y lo deshonrarás todo con la culpa y la desvergüenza.
Los poetas han utilizado lo que llaman solecismos y barbarismos; han preferido, cambiando los nombres, llamarlos figuras y transformaciones, en vez de evitarlos como errores evidentes. Pues bien, quítalos de las poesías , y notaremos la falta de suavísimas atenuaciones. Reúne muchos en un sola composición y me causará irritación porque todo será relamido, pedante y afectado.
El orden que los rige y los modera no soportará que haya demasiados ni que estén en todas partes.”
Decir que belleza y fealdad son conceptos relacionados con épocas y con culturas no significa que no se haya intentado siempre definirlos en relación a un modelo estable.
Se podría sugerir como hizo Nietzsche “Crepúsculo de los ídolos” que “en lo bello el hombre se pone a sí mismo como medida de perfección y “se adora con ello”, el hombre en el fondo se mira en el espejo de las cosas, y considera bello que le devuelve la imagen … lo feo se entiende como señal de degeneración…Todo indicio de agotamiento, de pesadez, senilidad, fatiga, de falta de libertad, el olor , la forma, el color, descomposición… todo esto provoca un juicio de valor feo. ¿A quien se odia? Sin duda la decadencia de su tipo.
La más completa “Estética de lo feo” la elabora Kart Rosenkratz, establece una analogía entre lo feo y el mal moral. Del mismo modo que el mal y el pecado se oponen al bien y son su infierno.
En el mundo cristiano todo el universo es bello porque es obra divina, y esta belleza total incluso redime en cierto modo la fealdad y el mal; no obstante, la expresión humana de la divinidad, Jesucristo, que sufrió por nosotros, es representada en el momento de su máxima humillación.
Siguiendo las huellas de San Agustín encontraremos en el pensamiento escolástico varios ejemplos de justificación de la fealdad en el marco de la belleza total del universo, donde la fealdad y el mal adquieren valor. Se diría que los monstruos son bellos porque son seres y como tales contribuyen a la armonía del conjunto y que aunque el pecado destruye el orden de las cosas, este orden es restablecido por el castigo por lo cual los condenados al infierno son ejemplo de una ley de armonía. Pero también es posible atribuir la impresión de fealdad a efectos de percepción, falta de luz distancia incorrecta, o atmósfera neblinosa.
“San Agustín, (S.IV-V)”
“¿Hay algo más tétrico que un verdugo?
¿Hay algo más feroz y cruel que ese espíritu? Pero en las leyes ocupa un lugar necesario y forma parte del orden de un estado bien gobernado(…) ¿Hay algo que pueda considerarse más repugnante que las prostitutas. Los proxenetas y otras plagas al estilo? Haz desaparecer a la meretrices de la sociedad y lo convulsionarás todo con pasiones desordenadas. Ponlas en el puesto de las honestas y lo deshonrarás todo con la culpa y la desvergüenza.
Los poetas han utilizado lo que llaman solecismos y barbarismos; han preferido, cambiando los nombres, llamarlos figuras y transformaciones, en vez de evitarlos como errores evidentes. Pues bien, quítalos de las poesías , y notaremos la falta de suavísimas atenuaciones. Reúne muchos en un sola composición y me causará irritación porque todo será relamido, pedante y afectado.
El orden que los rige y los modera no soportará que haya demasiados ni que estén en todas partes.”
jueves, 8 de septiembre de 2011
Musas
“Si quisiéramos describir el arte de la pintura, necesitaríamos un libro entero.
Nos la tendrían que representar con el aspecto de una joven hermosa, con el cabello negro y rizado y los labios cerrados, Con una cadena de oro al cuello, del cual cuelga una larva.
En una mano, sostiene varios pinceles y el lema imitatio, es decir, imitación”.
(Cesare Riba Iconologia 1593)
La creación artística siempre ha tenido algo de impenetrable, de misterioso para el ser humano. Los antiguos griegos pensaban que los dioses o las musas infundían con su aliento ideas creadoras al artista por lo que éstos, antes de comenzar su trabajo, invocaban a las musas. De aquí proviene el término, de «estar inspirado» .
Hoy día, la creatividad artística se comprende según modelos menos románticos. Se piensa que la creatividad artística se establece realmente de forma paulatina, de modo que se va profundizando progresivamente en el problema creativo hasta que éste queda resuelto.
La creatividad artística no tiene que proceder necesariamente de individuos extraños, con personalidades fuera de lo común. La extravagancia de que se rodean y han rodeado durante los dos últimos siglos algunos artistas parece destinada más a fortalecer esta imagen de personas «geniales», casi como una labor, más o menos constante, de marketing. La creatividad artística puede ser el resultado de procesos ordinarios de sujetos ordinarios. Su calidad invariablemente, al igual que en otra actividad, dependerá de la dedicación que estas personas otorguen a su trabajo y de sus capacidades para el mismo; teniendo presente que la creatividad dentro de cualquier orden es una de las funciones superiores del ser humano, pero sin que esto implique que los artistas sean personas extrañas, necesariamente superiores.
ALICIA LIDDELL
Por definición la musa es absolutamente única, pero tal vez la única musa en estado puro haya sido Alice Liddell. Cuando sólo contaba con 7 años provocó un trauma irreversible en el reverendo Charles Dodgson -profesor de Oxford y fotógrafo-, que luego se hizo famoso con el nombre de Lewis Carroll (1832-1898). Este, en la dorada tarde del 4 de julio de 1862, correspondió a su fascinación por la niña inventando una historia que tituló Alicia en el país de las maravillas. Muchos años después, en 1932, y como un modo de expresar la gratitud de la humanidad por sus servicios como musa, la Columbia University le otorgó a la señora Alice Liddell un doctorado honoris causa. Pero no fue ese el único beneficio: también logró vender el manuscrito en una suma sin precedentes en la historia. Y es que todo indica que la hermosa Alice tenía verdaderas dotes para la profesión musística , ya que no se limitó al buen Lewis Carroll. Cuando contaba poco más de 10 años su preciosa presencia indujo también estados de delirio en el influyente crítico John Ruskin (1819 – 1900), que ya había sobrepasado el medio siglo de vida. Este caballero era un esteticista que, por encima de todo, amaba la pureza de líneas. A los 29 había contraído matrimonio con Euphemia Gray, 10 años menor.
Nos la tendrían que representar con el aspecto de una joven hermosa, con el cabello negro y rizado y los labios cerrados, Con una cadena de oro al cuello, del cual cuelga una larva.
En una mano, sostiene varios pinceles y el lema imitatio, es decir, imitación”.
(Cesare Riba Iconologia 1593)
La creación artística siempre ha tenido algo de impenetrable, de misterioso para el ser humano. Los antiguos griegos pensaban que los dioses o las musas infundían con su aliento ideas creadoras al artista por lo que éstos, antes de comenzar su trabajo, invocaban a las musas. De aquí proviene el término, de «estar inspirado» .
Hoy día, la creatividad artística se comprende según modelos menos románticos. Se piensa que la creatividad artística se establece realmente de forma paulatina, de modo que se va profundizando progresivamente en el problema creativo hasta que éste queda resuelto.
La creatividad artística no tiene que proceder necesariamente de individuos extraños, con personalidades fuera de lo común. La extravagancia de que se rodean y han rodeado durante los dos últimos siglos algunos artistas parece destinada más a fortalecer esta imagen de personas «geniales», casi como una labor, más o menos constante, de marketing. La creatividad artística puede ser el resultado de procesos ordinarios de sujetos ordinarios. Su calidad invariablemente, al igual que en otra actividad, dependerá de la dedicación que estas personas otorguen a su trabajo y de sus capacidades para el mismo; teniendo presente que la creatividad dentro de cualquier orden es una de las funciones superiores del ser humano, pero sin que esto implique que los artistas sean personas extrañas, necesariamente superiores.
ALICIA LIDDELL
Por definición la musa es absolutamente única, pero tal vez la única musa en estado puro haya sido Alice Liddell. Cuando sólo contaba con 7 años provocó un trauma irreversible en el reverendo Charles Dodgson -profesor de Oxford y fotógrafo-, que luego se hizo famoso con el nombre de Lewis Carroll (1832-1898). Este, en la dorada tarde del 4 de julio de 1862, correspondió a su fascinación por la niña inventando una historia que tituló Alicia en el país de las maravillas. Muchos años después, en 1932, y como un modo de expresar la gratitud de la humanidad por sus servicios como musa, la Columbia University le otorgó a la señora Alice Liddell un doctorado honoris causa. Pero no fue ese el único beneficio: también logró vender el manuscrito en una suma sin precedentes en la historia. Y es que todo indica que la hermosa Alice tenía verdaderas dotes para la profesión musística , ya que no se limitó al buen Lewis Carroll. Cuando contaba poco más de 10 años su preciosa presencia indujo también estados de delirio en el influyente crítico John Ruskin (1819 – 1900), que ya había sobrepasado el medio siglo de vida. Este caballero era un esteticista que, por encima de todo, amaba la pureza de líneas. A los 29 había contraído matrimonio con Euphemia Gray, 10 años menor.
miércoles, 27 de julio de 2011
Nada hay tan fantásticamente sobrecogedor como lo auténtico,nada tan increíble como la verdadera realidad" Irre (1983)
¿Qué es lo fantástico?¿Lo que no es natural, el ensueño, lo visionario? ¿Lo absurdo, lo irracional, lo tabú?
El arte fantástico es muy rico tanto en facetas como en matices y todo intento por acotarlo o definirlo resulta de entrada muy complicado.
No se trata de un concepto anclado en una época determinada ya que, por regla general, sus rasgos sólo han podido ser reconocidos y etiquetados a posteriori.
Así pues en distintas dosis y con distintas intenciones, podemos apreciar la presencia fantástica en casi todas las épocas y disciplinas artísticas. La perspectiva en la postura y las exageraciones fisiológicas de las pinturas rupestres de hace treinta mil años se le antojan “poco naturales” y “distintas”, es decir, fantásticas, al espectador contemporáneo, independientemente del valor mítico o religioso que estas puedan haber tenido.
¿Qué sería la pintura barroca sin sus extraordinarios excesos, sin manierismos, sin el colorido, sin la locura, sin lo fantástico?
La fantasía está presente en otras manifestaciones como la literatura, la arquitectura, la música y el cine, incluso en la ciencia es posible encontrar corrientes y tendencias fantásticas, que adoptan la forma de opiniones y teorías aleatorias o desacostumbradas.
La ciencia de la Psicología de finales del S. XX cree poder aportar algo de ilustración sobre el fuero interno del hombre, el poco conocido campo del inconsciente y de los sueños, los sentimientos, de los deseos.
“LA FANTASÍA, EN TODAS SUS MANIFESTACIONES, DOTA AL ARTE DE ALAS DE BRILLANTE COLORIDO”
La palabra fantástico se ve a menudo acompañada de conceptos como imaginación, inventiva, ensoñación y DELIRIO. A estas particularidades psíquicas se les atribuye un origen divino comúnmente, se la integra en una “INTUICIÓN” psíquica capaz de crear sucesos o imágenes desconocidas hasta el momento.
El arte fantástico en cuanto a contenidos se refiere, está ligado a la representación humana explícita o implícitamente, el hombre es el centro de su lenguaje formal , lo representa a un tiempo reconocible y misterioso, en la naturalidad de su destino y en sus sueños y constantes deseos , tal vez más cercano a la antropología que al arte.
La fantasía explora constantemente la realidad en busca de lo nuevo y lo desacostumbrado e intenta hacerlo visible.
Nos habla de esos abismos secretos y del alma humana, mira a través del espejo… actúa al margen del orden y escapa de lo establecido, escapa de los ismos. Por que es eso, un arte centrado en el ser humano, en su conciencia y subconciencia, sus aspectos nocturnos y diurnos.
El hombre, sus secretos, sus enigmas, sus contradicciones, son y serán objeto de deseo preferido de fantasía
"Los Pecados" Óleo sobre lienzo
El arte fantástico es muy rico tanto en facetas como en matices y todo intento por acotarlo o definirlo resulta de entrada muy complicado.
No se trata de un concepto anclado en una época determinada ya que, por regla general, sus rasgos sólo han podido ser reconocidos y etiquetados a posteriori.
Así pues en distintas dosis y con distintas intenciones, podemos apreciar la presencia fantástica en casi todas las épocas y disciplinas artísticas. La perspectiva en la postura y las exageraciones fisiológicas de las pinturas rupestres de hace treinta mil años se le antojan “poco naturales” y “distintas”, es decir, fantásticas, al espectador contemporáneo, independientemente del valor mítico o religioso que estas puedan haber tenido.
¿Qué sería la pintura barroca sin sus extraordinarios excesos, sin manierismos, sin el colorido, sin la locura, sin lo fantástico?
La fantasía está presente en otras manifestaciones como la literatura, la arquitectura, la música y el cine, incluso en la ciencia es posible encontrar corrientes y tendencias fantásticas, que adoptan la forma de opiniones y teorías aleatorias o desacostumbradas.
La ciencia de la Psicología de finales del S. XX cree poder aportar algo de ilustración sobre el fuero interno del hombre, el poco conocido campo del inconsciente y de los sueños, los sentimientos, de los deseos.
“LA FANTASÍA, EN TODAS SUS MANIFESTACIONES, DOTA AL ARTE DE ALAS DE BRILLANTE COLORIDO”
La palabra fantástico se ve a menudo acompañada de conceptos como imaginación, inventiva, ensoñación y DELIRIO. A estas particularidades psíquicas se les atribuye un origen divino comúnmente, se la integra en una “INTUICIÓN” psíquica capaz de crear sucesos o imágenes desconocidas hasta el momento.
El arte fantástico en cuanto a contenidos se refiere, está ligado a la representación humana explícita o implícitamente, el hombre es el centro de su lenguaje formal , lo representa a un tiempo reconocible y misterioso, en la naturalidad de su destino y en sus sueños y constantes deseos , tal vez más cercano a la antropología que al arte.
La fantasía explora constantemente la realidad en busca de lo nuevo y lo desacostumbrado e intenta hacerlo visible.
Nos habla de esos abismos secretos y del alma humana, mira a través del espejo… actúa al margen del orden y escapa de lo establecido, escapa de los ismos. Por que es eso, un arte centrado en el ser humano, en su conciencia y subconciencia, sus aspectos nocturnos y diurnos.
El hombre, sus secretos, sus enigmas, sus contradicciones, son y serán objeto de deseo preferido de fantasía
"Los Pecados" Óleo sobre lienzo
Este cuadro de Franz von Stuck , fue un desafio incomparable para aquella época, entre 1891 y 1912 aparecen numerosas versiones del mismo.
Buena parte del placer reside en la percepción visual de la obra Die Suende (Los Pecados) es la convincente composición de un secreto fascinante y una en los límites de cuanto puede decirse y mostrarse de lo que se considera tabú.
ESTA FIGURA NOS EMPUJA A TODOS A UN CAMINO SOLITARIO EN EL QUE ANTES O DESPUÉS TENDREMOS QUE CRUZARNOS CON UNA DE SUS HERMANAS VIVAS”
Hans Carossa, Das Jahr der schönen Täuschungen, 1941
jueves, 21 de julio de 2011
Tres angeles
Nueve son las jerarquías de los ángeles, pues es el único número que si le das la vuelta, forma otro número, el “6”, es decir la dualidad de Dios... el bien el mal. La diferencia de “9” a “6” es “3”.
Tres es el número de La Santa Trinidad, número divino.
El ángel sonriente, finales del siglo XIII de la Catedral de Reims (Champange) Fue apodada la Catedral de los ángeles.Este ángel tiene una sonrisa famosa en todo el mundo, se trata de una versión en escultura de la enigmática expresión de la Mona Lisa. Situada en el portal de la izquierda se inclina hacia San Denis, con una expresión y pose inquietantes, tal vez animado más que misterioso.
“Amor fabricando el arco” Francesco Mazzola (1503-40) museo de Kunsthistorisches en Viena data de 1533-34. Amor o Cupido tiene género indeterminado (un contemporáneo suyo pensaba que era una muchacha) mira con gesto cómplice, incluso desafiante, al espectador, mientras “inocentemente” fabrica un arco subido en dos libros pisoteando literalmente, las palabras. Dos putti aparecen entre sus piernas. Uno de ellos retrocede al recibir un corte del mortal cuchillo, o ¿Quizás por la quemadura del fuego del dios del amor??
Tema clásico, hace referencia a las nociones esotéricas del amor del renacimiento y a las experiencias dolorosas.
Esta obra pertenece a Giovanni Batista Rosso, se encuentra en la Galería Uffizi, Italia. El panel pequeño, que representa a un ángel músico, formaba parte de una composición mayor, desconocida en la actualidad.
Estos querubines que describe Rosso con pelo rizado y alas brillantes, se representan mucho entre los artistas del Renacimiento, que dejan de lado las descripciones tradicionales de los ángeles a favor de los putti( Pequeños hombrecitos) del arte clásico . La pequeña mano del joven querubín apenas toca la cuerda a las que mira concentrado y a punto de soñar.
Tres es el número de La Santa Trinidad, número divino.
El ángel sonriente, finales del siglo XIII de la Catedral de Reims (Champange) Fue apodada la Catedral de los ángeles.Este ángel tiene una sonrisa famosa en todo el mundo, se trata de una versión en escultura de la enigmática expresión de la Mona Lisa. Situada en el portal de la izquierda se inclina hacia San Denis, con una expresión y pose inquietantes, tal vez animado más que misterioso.
“Amor fabricando el arco” Francesco Mazzola (1503-40) museo de Kunsthistorisches en Viena data de 1533-34. Amor o Cupido tiene género indeterminado (un contemporáneo suyo pensaba que era una muchacha) mira con gesto cómplice, incluso desafiante, al espectador, mientras “inocentemente” fabrica un arco subido en dos libros pisoteando literalmente, las palabras. Dos putti aparecen entre sus piernas. Uno de ellos retrocede al recibir un corte del mortal cuchillo, o ¿Quizás por la quemadura del fuego del dios del amor??
Tema clásico, hace referencia a las nociones esotéricas del amor del renacimiento y a las experiencias dolorosas.
Esta obra pertenece a Giovanni Batista Rosso, se encuentra en la Galería Uffizi, Italia. El panel pequeño, que representa a un ángel músico, formaba parte de una composición mayor, desconocida en la actualidad.
Estos querubines que describe Rosso con pelo rizado y alas brillantes, se representan mucho entre los artistas del Renacimiento, que dejan de lado las descripciones tradicionales de los ángeles a favor de los putti( Pequeños hombrecitos) del arte clásico . La pequeña mano del joven querubín apenas toca la cuerda a las que mira concentrado y a punto de soñar.
miércoles, 20 de julio de 2011
martes, 19 de julio de 2011
Paseando en el tiempo
La obra de arte nos afecta, nos embarga de un modo distinto según el tema, el estilo, el uso de la materia y la combinación de formas o la composición. No se siente nunca nada ante la obra de arte, ésta no nos deja jamás indiferentes, y aun así, ésta habrá de interpretarse como una respuesta concreta de nuestra afectividad, a nuestro temperamento al mundo y a la obra de arte en concreto. Sólo las verdaderas obras de arte son capaces de transformarnos, de convulsionar nuestro ánimo hasta sus cimientos, nos cautiva por su fascinación o por su terribilidad.
En una mirada que abarcase toda la evolución del arte (en especial la pintura) desde Altamira hasta principios del S XXI, tendríamos una sensación de vértigo, existen tal cantidad de formas, de estilos su evolución. Desde el estilo rupestre al "Pop Art" de Warhol.
Es muy cierto que Lascaux, nos impresiona esa belleza subterránea, el azar que la ha conservado y revelado. Pero lo que nos extraña, seduce y satisface es que pensamos que estamos asistiendo al nacimiento del arte y este podrá renovarse incesantemente e infinitamente. Si entramos en la cueva de Lascaux , nos oprime una sensación de presencia ¿Por qué esa sensación? ¿Por qué las admiramos con ingenuidad? Sensaciones que experimentamos de igual manera ante una obra maestra.
Pero si el mundo de Lascaux es un mundo de ritos misteriosos de inaccesibles costumbres, sus pinturas nos sorprenden, son naturales y claras. Salvo una escena oculta en un pozo "el unicornio".En Lascaux no es el único mundo, allí no se estrena el arte, ni el hombre tampoco, ni es tampoco el único, pues el arte está siempre vinculado al origen y al mismo tiempo, se adelanta a todo lo que ha sido
Para muchos el arte ha llegado a su fin, aunque se siga haciendo arte, se siga esculpiendo, pintando o trazando construcciones. . En su tesis "Abstracción y endopatía" Worringer ve como el arte se va estilizando desde sus inicios, la imagen icónica va perdiendo su semejanza con lo real, hasta reducirse en un mero conjunto de formas y colores. Pero no creo que sea un fin, más bien es una culminación. El arte genuino, es en si pura forma, puros teoremas musicales y enrejado de metáforas.
El hombre es un indagador de posibilidades de ser cosas distintas. La posibilidad cumplida ya no puede cumplirse, en tanto que sería repetir algo superado, y precisamente por superado imposible de repetir
En una mirada que abarcase toda la evolución del arte (en especial la pintura) desde Altamira hasta principios del S XXI, tendríamos una sensación de vértigo, existen tal cantidad de formas, de estilos su evolución. Desde el estilo rupestre al "Pop Art" de Warhol.
Es muy cierto que Lascaux, nos impresiona esa belleza subterránea, el azar que la ha conservado y revelado. Pero lo que nos extraña, seduce y satisface es que pensamos que estamos asistiendo al nacimiento del arte y este podrá renovarse incesantemente e infinitamente. Si entramos en la cueva de Lascaux , nos oprime una sensación de presencia ¿Por qué esa sensación? ¿Por qué las admiramos con ingenuidad? Sensaciones que experimentamos de igual manera ante una obra maestra.
Pero si el mundo de Lascaux es un mundo de ritos misteriosos de inaccesibles costumbres, sus pinturas nos sorprenden, son naturales y claras. Salvo una escena oculta en un pozo "el unicornio".En Lascaux no es el único mundo, allí no se estrena el arte, ni el hombre tampoco, ni es tampoco el único, pues el arte está siempre vinculado al origen y al mismo tiempo, se adelanta a todo lo que ha sido
Para muchos el arte ha llegado a su fin, aunque se siga haciendo arte, se siga esculpiendo, pintando o trazando construcciones. . En su tesis "Abstracción y endopatía" Worringer ve como el arte se va estilizando desde sus inicios, la imagen icónica va perdiendo su semejanza con lo real, hasta reducirse en un mero conjunto de formas y colores. Pero no creo que sea un fin, más bien es una culminación. El arte genuino, es en si pura forma, puros teoremas musicales y enrejado de metáforas.
El hombre es un indagador de posibilidades de ser cosas distintas. La posibilidad cumplida ya no puede cumplirse, en tanto que sería repetir algo superado, y precisamente por superado imposible de repetir
miércoles, 13 de julio de 2011
Tesoros subterráneos
¿Qué sentimos ante las obras del paleolítico? ¿Qué creemos percibir en ellas de su autor?
Cuando uno visita las pinturas de una cueva, lleva en el corazón una sensación de comprensión y misterio, nos lleva a pensar en una revelación inminente. Surgen mil preguntas ¿Qué hacen allí? ¿Cómo se hacían? su misteriosa escenografía.
Todo arte si es verdadero es contemporáneo, pues tiene un lenguaje universal , su mensaje permanece inalterado a través del tiempo y es emocionante ver como cuanto más lejos está el emisor más clara nos llega la señal emitida. La luz de algunas estrellas nos llega a pesar de haber desaparecido hace años, con claridad. De igual manera nos llega la luz de aquellos seres después de haber dejado de existir hace millones de años.
Estas pinturas que nos llegan con tal fuerza y belleza, están desprovistas de todo ropaje, Otras pinturas posteriores, nos llegan junto al mensaje de su época, de su ámbito histórico, social religioso y las complementa, incluso podemos comprender las motivaciones del pintor. Pero al alejarnos quince o veinte mil años se rompe la cadena cultural y perdemos seguridad en la suposición.
Muchas cuevas quedaron selladas poco tiempo después de ser decoradas, por derrumbamientos, por cambios climáticos. Y quedaron sus contenidos conservados milagrosamente, como tesoros en cámaras acorazadas. Gracias a ello podemos tratar de de reconstruir los eslabones sueltos de una cadena que nos acercan más a ellos.
Trazar una línea con el dedo es la expresión plástica más espontánea que pueda producirse, es casi un acto reflejo, lo mismo se dice de arañar o rascar el suelo o la superficie con un palo o una piedra, y recibimos una gratificación óptica o táctil.
Cuando uno visita las pinturas de una cueva, lleva en el corazón una sensación de comprensión y misterio, nos lleva a pensar en una revelación inminente. Surgen mil preguntas ¿Qué hacen allí? ¿Cómo se hacían? su misteriosa escenografía.
Todo arte si es verdadero es contemporáneo, pues tiene un lenguaje universal , su mensaje permanece inalterado a través del tiempo y es emocionante ver como cuanto más lejos está el emisor más clara nos llega la señal emitida. La luz de algunas estrellas nos llega a pesar de haber desaparecido hace años, con claridad. De igual manera nos llega la luz de aquellos seres después de haber dejado de existir hace millones de años.
Estas pinturas que nos llegan con tal fuerza y belleza, están desprovistas de todo ropaje, Otras pinturas posteriores, nos llegan junto al mensaje de su época, de su ámbito histórico, social religioso y las complementa, incluso podemos comprender las motivaciones del pintor. Pero al alejarnos quince o veinte mil años se rompe la cadena cultural y perdemos seguridad en la suposición.
Muchas cuevas quedaron selladas poco tiempo después de ser decoradas, por derrumbamientos, por cambios climáticos. Y quedaron sus contenidos conservados milagrosamente, como tesoros en cámaras acorazadas. Gracias a ello podemos tratar de de reconstruir los eslabones sueltos de una cadena que nos acercan más a ellos.
Trazar una línea con el dedo es la expresión plástica más espontánea que pueda producirse, es casi un acto reflejo, lo mismo se dice de arañar o rascar el suelo o la superficie con un palo o una piedra, y recibimos una gratificación óptica o táctil.
Bisonte (Altamira)
Cuando viajamos tan atrás, nos imaginamos a nuestros antepasados apiñados o solitarios, machacando piedras desollando bestias enormes. Tal vez, con un poco de fantasía nos los imaginamos celebrando un rito funerario en un cielo gris…
Parece poco serio imaginarles riendo por una broma, suspirar enamorándose, sonreír con ternura mirando un animalito.
Pero si miramos con atención su arte, la expresión se su espíritu vemos nuestra propia imagen reflejada en su espejo lejano.
Tal afirmación nos lleva a pensar que eso es suficiente para entenderles para descifrar sus claves, su pensamiento. Pero lo malo es que no nos entendemos ni a nosotros mismos (padre e hijos, ni siquiera gentes de otras culturas contemporáneas nuestras).
Pero tenemos a nuestro favor que el arte tiene la facultad de ser un lenguaje universal que salta barreras, es algo que aparece por necesidad del hombre, que necesita expresarse, transmitir emociones y hacer ver su propia visión del mundo.
Este es el verdadero mensaje del arte, el núcleo, el fondo. La forma depende del estilo vigente, la técnica de la originalidad del artista. El Greco nos trasmite emociones místicas, distinto a lo que transmite Rubens.
martes, 12 de julio de 2011
Los espejos del diablo (El Bosco)
Hay algo en los universos imaginarios del Bosco que nos inquieta, es más bien una presencia o tal vez un presagio, algo que amenaza y que pesa en nuestras mentes, es como si mil ojos ocultos, nos espiasen desde sus rarezas inhumanas. Es la misma sensación que tenemos cuando caminamos por un bosque, la de sentirnos observados, escuchados…Y tenemos la sensación de que algo va a ocurrir, “El bosque que oye y el campo que ve” (Gabinete de las estampas, Berlín) Pero además de las criaturas que vemos, son cientos las que nos esperan, escondidas en los infiernos fantásticos del Bosco.
Lo que ha de venir aguarda, permanece en las oquedades, las formas envolventes hacen patente el misterio.
Como en un juego de magia, el misterio se debe descubrir, recorrer el cuadro, observar de forma narrativa, a modo de viñetas.
Para toda la tradición medieval el espejo es el instrumento favorito de Satán. Lo hallamos en "La nave de los locos" (Sebastian Brant) y en "Ans dem Ritter vom Turn" en el que se observa que las madres de Brabante amonestan a sus hijos si se miran demasiado al espejo, diciendo que cuando te miras al espejo el diablo está detrás de ti. En un grabado ausburgués de 1498 en que una mujer se contempla en un espejo y en lugar de su rostro ve "la cola y el trasero de un diablillo que se retuerce y gesticula".El Bosco lo incorpora en "El panel de las delicias". Un diablillo mantiene obscenamente abrazada a una mujer desnuda cuyo rostro se refleja en las nalgas de un monstruo transformadas en espejo.
La humanidad permanece prisionera del hechizo el espejo de capote con cascabeles del diablo. En "La mesa de los siete pecados", encontramos en la soberbia, a la mujer que cruza su mirada con la del diablo en el espejo de su tocador.
El espejo posee, el inquietante poder de invertir y duplicar la realidad, y en este sentido la figura del diablo con respecto a Dios.
Loca parece que esta la humanidad que nos refleja el Bosco, solo en momentos de extrema lucidez la humanidad mira el dorso del espejo, nos sorprenderíamos viendo el mundo del revés.
Tal vez fue esta visión la que hizo caer a Lucifer, la que lo hizo ser príncipe de los ángeles rebeldes. Una visión invertida de Dios y del cielo.
Lo que ha de venir aguarda, permanece en las oquedades, las formas envolventes hacen patente el misterio.
Como en un juego de magia, el misterio se debe descubrir, recorrer el cuadro, observar de forma narrativa, a modo de viñetas.
Para toda la tradición medieval el espejo es el instrumento favorito de Satán. Lo hallamos en "La nave de los locos" (Sebastian Brant) y en "Ans dem Ritter vom Turn" en el que se observa que las madres de Brabante amonestan a sus hijos si se miran demasiado al espejo, diciendo que cuando te miras al espejo el diablo está detrás de ti. En un grabado ausburgués de 1498 en que una mujer se contempla en un espejo y en lugar de su rostro ve "la cola y el trasero de un diablillo que se retuerce y gesticula".El Bosco lo incorpora en "El panel de las delicias". Un diablillo mantiene obscenamente abrazada a una mujer desnuda cuyo rostro se refleja en las nalgas de un monstruo transformadas en espejo.
La humanidad permanece prisionera del hechizo el espejo de capote con cascabeles del diablo. En "La mesa de los siete pecados", encontramos en la soberbia, a la mujer que cruza su mirada con la del diablo en el espejo de su tocador.
El espejo posee, el inquietante poder de invertir y duplicar la realidad, y en este sentido la figura del diablo con respecto a Dios.
Loca parece que esta la humanidad que nos refleja el Bosco, solo en momentos de extrema lucidez la humanidad mira el dorso del espejo, nos sorprenderíamos viendo el mundo del revés.
Tal vez fue esta visión la que hizo caer a Lucifer, la que lo hizo ser príncipe de los ángeles rebeldes. Una visión invertida de Dios y del cielo.
lunes, 6 de junio de 2011
Acrílicos
Acrílico sobre madera; 50 x 50 cm.
Acrílico sobre madera, 50 x50 cm.El acrílico es un medio relativamente nuevo. Aunque nació con fines industriales, en seguida halló un lugar en la expresión artística. Las primeras pinturas acrílicas datan de la década de los cuarenta, en la pintura muralista mexicana y estadounidense. Pero fue a partir de 1950, cuando aparecieron los acrílicos artísticos en el mercado.
El acrílico es el medio artístico más polivalente y versátil. Considerado un autentico “todo terreno”. Fácil de usar, limpio y económico. Con acabados muy similares al óleo y la acuarela, aparte de permitir un infinito campo de experimentación propia.
Hoy día, es un medio en plena expansión, muy actual, que además permite la interacción con otros medios, ya sean húmedos – tintas, acuarelas u óleos- o secos – carboncillos, pasteles, ceras o lápices- para técnicas mixtas.
El acrílico es el medio artístico más polivalente y versátil. Considerado un autentico “todo terreno”. Fácil de usar, limpio y económico. Con acabados muy similares al óleo y la acuarela, aparte de permitir un infinito campo de experimentación propia.
Hoy día, es un medio en plena expansión, muy actual, que además permite la interacción con otros medios, ya sean húmedos – tintas, acuarelas u óleos- o secos – carboncillos, pasteles, ceras o lápices- para técnicas mixtas.
viernes, 29 de abril de 2011
" Quien pinta, escribe, compone, baila...piensa con los sentidos". ( Arnheim)
“Para que una obra de arte sea verdaderamente inmortal, es necesario que salga completamente de los confines de lo humano: el buen sentido y la lógica la perjudican. De este modo, se acercará al sueño y a la mentalidad infantil. La obra profunda será empujada por el artista a las profundidades más recónditas de su ser”
De Chirico, 1914
Giorgio de Chirico (1888-1978) se le define como el pintor de espacios enigmáticos, gélidos, solitarios ciudades habitadas por seres inquietantes. Apollineire los califica como espacios “metafísicos”, escalofriantes siluetas suspendidas en el vacío. Mostró gran interés por las lecturas filosóficas, los pintores románticos y el arte del Renacimiento , estos le influyen en la necesidad de crear espacios silenciosos y solemnes, figuras ilusionistas y sombras nítidas, todo se materializa en el cuadro como señales venidas desde la memoria.
Su musa es la soledad que vive De Chirico durante su hospitalización debido a desequilibrios nerviosos.
En los sueños las realidades se deforman y crean espacios. Donde los miedos las preocupaciones o los deseos ocultos toman vida, formando y definiendo el inconsciente.
“…gracias a él la imaginación acaso está a punto de reconquistar sus derechos” (Manifiesto del Surrealismo)
Los artistas surrealistas defienden el sueño porque deja emerger las fuerzas y los deseos ocultos liberando al inconsciente. La pintura surrealista, intenta apartare de la lógica, invirtiendo las relaciones establecidas para generar una crisis que permita crear un mundo libre y maravilloso.
De Chirico, 1914
Giorgio de Chirico (1888-1978) se le define como el pintor de espacios enigmáticos, gélidos, solitarios ciudades habitadas por seres inquietantes. Apollineire los califica como espacios “metafísicos”, escalofriantes siluetas suspendidas en el vacío. Mostró gran interés por las lecturas filosóficas, los pintores románticos y el arte del Renacimiento , estos le influyen en la necesidad de crear espacios silenciosos y solemnes, figuras ilusionistas y sombras nítidas, todo se materializa en el cuadro como señales venidas desde la memoria.
Su musa es la soledad que vive De Chirico durante su hospitalización debido a desequilibrios nerviosos.
En los sueños las realidades se deforman y crean espacios. Donde los miedos las preocupaciones o los deseos ocultos toman vida, formando y definiendo el inconsciente.
“…gracias a él la imaginación acaso está a punto de reconquistar sus derechos” (Manifiesto del Surrealismo)
Los artistas surrealistas defienden el sueño porque deja emerger las fuerzas y los deseos ocultos liberando al inconsciente. La pintura surrealista, intenta apartare de la lógica, invirtiendo las relaciones establecidas para generar una crisis que permita crear un mundo libre y maravilloso.
jueves, 28 de abril de 2011
El texto retrata y la imagen habla
En griego graphos significaba tanto algo escrito como algo dibujado o pintado, existe conexión entre pintura y escritura, pues ambas usan instrumentos sobre superficies para comunicar una idea, emoción o imagen. Históricamente, las letras empezaron como dibujos, y hasta cierto punto siguen siéndolo, innumerables generaciones después de los antiguos jeroglíficos e ideogramas. También es cierto que muchos artistas han usado las palabras como elementos de sus cuadros, Henri Michaux , convirtió el alfabeto en figuras que tienden a la alucinación.
Las pinturas rupestres nacidas para contar escenas o los hechos que decidieron mantener en la memoria previos a la alfabetización.
El parentesco entre poeta y pintor existe, les une una sensibilidad creadora, dejando atrás las formas, en otras palabras, la poesía es pintar con las palabras.
“Recurrimos a un arte en concreto en busca de algo que no encontramos en ningún otro”
Es cierto, como nos decía Puond , que recurrimos a la poesía en busca de imágenes. ¿Tan borrosos son los limites?? “
Un ejemplo de esto se puede ver en Hell Text (1991) de Annette Lemieux. Otro ejemplo en el que podemos ver como se sobrepasan los limites formales es The Monster’s Monologue, de Chistine Borland. Aquí todas las imágenes producidas por el artista las genera el cerebro del oyente.
Pero hay quien considera incestuosa esta relación, y tal vez “El título de un cuadro debería ser otro cuadro”.
Las pinturas rupestres nacidas para contar escenas o los hechos que decidieron mantener en la memoria previos a la alfabetización.
El parentesco entre poeta y pintor existe, les une una sensibilidad creadora, dejando atrás las formas, en otras palabras, la poesía es pintar con las palabras.
“Recurrimos a un arte en concreto en busca de algo que no encontramos en ningún otro”
Es cierto, como nos decía Puond , que recurrimos a la poesía en busca de imágenes. ¿Tan borrosos son los limites?? “
Un ejemplo de esto se puede ver en Hell Text (1991) de Annette Lemieux. Otro ejemplo en el que podemos ver como se sobrepasan los limites formales es The Monster’s Monologue, de Chistine Borland. Aquí todas las imágenes producidas por el artista las genera el cerebro del oyente.
Pero hay quien considera incestuosa esta relación, y tal vez “El título de un cuadro debería ser otro cuadro”.
Cuerpo y alma
"Pronto algunos reconocieron el gesto del que ve en el interior de las cosas y no hicieron más preguntas"
Egon Schiele,1911
Cuando hablamos de forma nos referimos a dos realidades; por un lado la apariencia externa de los objetos (su cuerpo) y, por otro, el modelo mental que tenemos de ellos (su alma), Algunas lenguas emplean distintas palabras para ambos conceptos, otras solo una. En todo caso, aunque estas dos realidades son bien diferentes, van siempre unidas, como las dos caras del al misma moneda.
Esta conexión entre forma y material o perceptiva (cuerpo) y forma general o conceptual (alma) se pone de manifiesto durante el acto perceptivo. La percepción no es un fenómeno pasivo sino un proceso activo: Los ojos sólo son receptores de estímulos, pero la mente, auténtica protagonista de la percepción, recoge estos estímulos y los analiza, sintetiza y relaciona con modelos adquiridos en experiencias previas.
Cada artista tiene una visión propia y particular nacida de su mundo interno, esta es transmitida por un lenguaje personal, pero ese mundo interior y ese lenguaje tan personal no se crea de la nada. Son horas de trabajo y contemplación, el artista construye un camino y enriquece su lenguaje. Así muchos artistas dedican horas a la observación y análisis del mundo que les rodea, y captar que se esconde detrás de cada forma y conectar así con la naturaleza y cultura del momento.
Si como decíamos las formas son apariencia del alma de las cosas, es decir, el continente que transporta un contenido, entonces las formas vivas deben de transmitir vida. Las formas de un animal deben transmitir vitalidad, pero no agresividad .
Cada forma expresa un contenido distinto. No transmite lo mismo una forma angulosa y compleja que una de suaves curvas y estructura simple...Un mismo tema puede ser abordado desde multiples puntos de vista, tantos como artistas.
Los mejores temas para estos estudios suelen ser los más conocidos ¿que hay más conocido que tu propio cuerpo? Una mano es una forma nada simple formada por una masa plana con cierto relieve: la palma, cinco estremidades que se pueden articular con puntos de inflexión: los dedos. Además del juego de la muñeca.
En fin, todo un mundo de formas al alcance de todos
Egon Schiele,1911
Cuando hablamos de forma nos referimos a dos realidades; por un lado la apariencia externa de los objetos (su cuerpo) y, por otro, el modelo mental que tenemos de ellos (su alma), Algunas lenguas emplean distintas palabras para ambos conceptos, otras solo una. En todo caso, aunque estas dos realidades son bien diferentes, van siempre unidas, como las dos caras del al misma moneda.
Esta conexión entre forma y material o perceptiva (cuerpo) y forma general o conceptual (alma) se pone de manifiesto durante el acto perceptivo. La percepción no es un fenómeno pasivo sino un proceso activo: Los ojos sólo son receptores de estímulos, pero la mente, auténtica protagonista de la percepción, recoge estos estímulos y los analiza, sintetiza y relaciona con modelos adquiridos en experiencias previas.
Cada artista tiene una visión propia y particular nacida de su mundo interno, esta es transmitida por un lenguaje personal, pero ese mundo interior y ese lenguaje tan personal no se crea de la nada. Son horas de trabajo y contemplación, el artista construye un camino y enriquece su lenguaje. Así muchos artistas dedican horas a la observación y análisis del mundo que les rodea, y captar que se esconde detrás de cada forma y conectar así con la naturaleza y cultura del momento.
Si como decíamos las formas son apariencia del alma de las cosas, es decir, el continente que transporta un contenido, entonces las formas vivas deben de transmitir vida. Las formas de un animal deben transmitir vitalidad, pero no agresividad .
Cada forma expresa un contenido distinto. No transmite lo mismo una forma angulosa y compleja que una de suaves curvas y estructura simple...Un mismo tema puede ser abordado desde multiples puntos de vista, tantos como artistas.
Los mejores temas para estos estudios suelen ser los más conocidos ¿que hay más conocido que tu propio cuerpo? Una mano es una forma nada simple formada por una masa plana con cierto relieve: la palma, cinco estremidades que se pueden articular con puntos de inflexión: los dedos. Además del juego de la muñeca.
En fin, todo un mundo de formas al alcance de todos
martes, 26 de abril de 2011
Colores
"Dadme lodo y pintaré la piel de una Venus...siempre que pueda pintar a su alrededor los colores que yo quiera" (Delacroix)
El color no es una propiedad física de las formas, sino un fenómeno perceptivo. La luz, sobre las formas es la que define el color que percibimos de éstas. Bajo una luz blanca percibimos un limón amarillo. Pero lo vemos marrón en la sombra, naranja cerca del fuego...
Por eso, no se puede afirmar que el limón es amarillo, sino que únicamente que lo vemos de color amarillo. No se sabe la causa, pero si el mecanismo: el limón absorbe todos los colores del espectro cromático menos el que refleja.
Las carnaciones son un tema preocupante para numerosos pintores. ¿De que color es la piel? ¿Con que color se la debe representar? No hay una única respuesta, ya que depende de los tonos naturales del modelo, de la iluminación que recibe y de los colores del entorno, con los que interactúa. Si además añadimos una actitud abierta y creativa por parte del artista, las respuestas devienen infinitas.
Lucien Freud, nieto del creador del psicoanálisis. Nos muestra detrás de cada cuadro una historia que nos habla de su vida y todo lo que le rodea. Por medio de sus cuadros adivinamos la calidad de sus relaciones.
Sus modelos suelen ser sus amistades; según decía, no pedía nunca a alguien que posara para él si antes no se había iniciado entre ellos una relación de amistad. Su pintura no deja indiferente al espectador y recibe calificativos de “chocante, violenta, cruel, podrida y afectada” debido a su gran realismo con el que trata a la persona retratada. “Hay algo en la persona desnuda cuando la tengo delante que apela al respeto”.
Freud refleja la grandeza del ser humano en su máxima humanidad, con pastosas y grandes pinceladas de tonos carnosos, en todo su espectro de matices.
El color no es una propiedad física de las formas, sino un fenómeno perceptivo. La luz, sobre las formas es la que define el color que percibimos de éstas. Bajo una luz blanca percibimos un limón amarillo. Pero lo vemos marrón en la sombra, naranja cerca del fuego...
Por eso, no se puede afirmar que el limón es amarillo, sino que únicamente que lo vemos de color amarillo. No se sabe la causa, pero si el mecanismo: el limón absorbe todos los colores del espectro cromático menos el que refleja.
Las carnaciones son un tema preocupante para numerosos pintores. ¿De que color es la piel? ¿Con que color se la debe representar? No hay una única respuesta, ya que depende de los tonos naturales del modelo, de la iluminación que recibe y de los colores del entorno, con los que interactúa. Si además añadimos una actitud abierta y creativa por parte del artista, las respuestas devienen infinitas.
Lucien Freud, nieto del creador del psicoanálisis. Nos muestra detrás de cada cuadro una historia que nos habla de su vida y todo lo que le rodea. Por medio de sus cuadros adivinamos la calidad de sus relaciones.
Sus modelos suelen ser sus amistades; según decía, no pedía nunca a alguien que posara para él si antes no se había iniciado entre ellos una relación de amistad. Su pintura no deja indiferente al espectador y recibe calificativos de “chocante, violenta, cruel, podrida y afectada” debido a su gran realismo con el que trata a la persona retratada. “Hay algo en la persona desnuda cuando la tengo delante que apela al respeto”.
Freud refleja la grandeza del ser humano en su máxima humanidad, con pastosas y grandes pinceladas de tonos carnosos, en todo su espectro de matices.
miércoles, 6 de abril de 2011
El arte ZEN
Zen tuvo gran importancia en el desarrollo artístico de China y especialmente en Japón. El Zen es un elemento para conectar arte con misticismo interno.
El concepto de arte en China y Japón engloba mucho más que el Occidental (música, pintura, caligrafía arreglos florales, ceremonia del Té, algunos deportes como tiro al arco y casi todas las artes marciales).
Difícil de entender desde el punto de vista europeo o americano, pero para los asiáticos el arte es la sutileza.
Cuenta más el proceso que el resultado final. Casi todas las expresiones artísticas necesitan movimientos que, es necesario concentrarse muchísimo y así conseguir una meditación profunda.
No es llevarse por la técnica es conectar con el inconsciente, así los movimientos surgen de forma natural, sin que la mente controle.
“El arte sin arte”
Algunos piensan que es la búsqueda de la inspiración divina. No se trata de una perfección técnica adquirida de forma consciente, es más bien llegar a hacer movimientos sin apenas fijarse en ellos, llegando a hacerlos con los ojos cerrados, de esta forma se deja uno llevar por la intuición, pues esta conecta directamente con la naturaleza divina de cada uno.
Zen, proporciona un gran impulso a las manifestaciones artísticas, el arte como expresión de la religiosidad y las obras no son reconocidas por su técnica sino por la paz de espíritu que proporcionan.
Nuestra sociedad afirma valorarla creatividad, pero en muchos casos , llamamos creatividad a la repetición sistemática de ideas y conceptos. Creemos que solo los genios son capaces de crear, así como que solo aquellos que se dedican a áreas artísticas tienen derecho a dar rienda suelta a su creatividad.
El Zen rompe con todo esto. Cualquier trabajo puede ser creativo, en Occidente creemos que solo hay una forma de hacer las cosas, tenemos una visión parcial del mundo. Pero la persona realmente creativa es capaz de ver más allá.
El Zen dice, que cualquier persona puede ser genio, solo deberá acceder a un conocimiento superior, si lo logramos, si llegamos a esa fuente de energía, la creatividad surge de manera espontánea.
“MANTENED LAS MANOS ABIERTAS, TODA LA ARENA DEL DESIERTO PASARÁ POR VUESTRAS MANOS. CERRAD LAS MANOS, SÓLO OBTENDREIS UN PUÑADO DE ARENA”
Sólo tenemos que notar las sensaciones que despiertan en nuestro cuerpo y dejarnos guiar por la intuición
El concepto de arte en China y Japón engloba mucho más que el Occidental (música, pintura, caligrafía arreglos florales, ceremonia del Té, algunos deportes como tiro al arco y casi todas las artes marciales).
Difícil de entender desde el punto de vista europeo o americano, pero para los asiáticos el arte es la sutileza.
Cuenta más el proceso que el resultado final. Casi todas las expresiones artísticas necesitan movimientos que, es necesario concentrarse muchísimo y así conseguir una meditación profunda.
No es llevarse por la técnica es conectar con el inconsciente, así los movimientos surgen de forma natural, sin que la mente controle.
“El arte sin arte”
Algunos piensan que es la búsqueda de la inspiración divina. No se trata de una perfección técnica adquirida de forma consciente, es más bien llegar a hacer movimientos sin apenas fijarse en ellos, llegando a hacerlos con los ojos cerrados, de esta forma se deja uno llevar por la intuición, pues esta conecta directamente con la naturaleza divina de cada uno.
Zen, proporciona un gran impulso a las manifestaciones artísticas, el arte como expresión de la religiosidad y las obras no son reconocidas por su técnica sino por la paz de espíritu que proporcionan.
Nuestra sociedad afirma valorarla creatividad, pero en muchos casos , llamamos creatividad a la repetición sistemática de ideas y conceptos. Creemos que solo los genios son capaces de crear, así como que solo aquellos que se dedican a áreas artísticas tienen derecho a dar rienda suelta a su creatividad.
El Zen rompe con todo esto. Cualquier trabajo puede ser creativo, en Occidente creemos que solo hay una forma de hacer las cosas, tenemos una visión parcial del mundo. Pero la persona realmente creativa es capaz de ver más allá.
El Zen dice, que cualquier persona puede ser genio, solo deberá acceder a un conocimiento superior, si lo logramos, si llegamos a esa fuente de energía, la creatividad surge de manera espontánea.
“MANTENED LAS MANOS ABIERTAS, TODA LA ARENA DEL DESIERTO PASARÁ POR VUESTRAS MANOS. CERRAD LAS MANOS, SÓLO OBTENDREIS UN PUÑADO DE ARENA”
Sólo tenemos que notar las sensaciones que despiertan en nuestro cuerpo y dejarnos guiar por la intuición
viernes, 21 de enero de 2011
La Gioconda
"Envuelta en el misterio de la media tinta, esta fascinante cabeza serena y orgullosa, emanaba una provocación apenas contenida y una tenue sonrisa deriva ocasionalmente hacia lo satánico; nos cautiva con su mirada intemporal y voluptuosa".
(Blanc)
"Leonardo es un espejo de luz que no se nombra
donde ángeles esbeltos, se sonrisa exquisita,
cargada de misterio, se ve bajo la sombra
de glaciales y pinos que el paisaje suscita"
(Baudelaire)
"Mona Lisa sigue seduciendo y hechizando después de más de trescientos años. Miles de hombres de todas las edades y diferentes idiomas se han apelotonado alrededor de este cuadro. Se han sentido inflamados por esos ojos límpidos y ardientes. Han oído palabras de engaño en esos labios traicioneros. Se han ido con ese dardo envenenado en el corazón y lo han difundido por los cuatro puntos cardinales. Mientras queden vestigios de esa belleza fabulosa y fatal, todos los que ansían descifrar los misterios del alma en los rasgos de un rostro correrán hacia ella, eternamente joven para pedirle la solución del enigma eterno. ¡Los enamorados, los poetas, los soñadores van a morir a sus pies! Nuestra desesperación y nuestra muerte no borrarán de esa boca burlona la encantadora sonrisa, la implacable sonrisa que promete el éxtasis y niega la felicidad"
Jules Michelet
" Lo que inquieta de esta imagen es el alma que transparenta, que se asoma para contemplar la nuestra y lee en nuestros ojos con noble serenidad mientras nosotros tratamos inútilmente de leer en los suyos."
George Sand.
http://www.minijuegos.com/Mona-Make-Over/944
Gracias!!! DISI jejejejejej
(Blanc)
"Leonardo es un espejo de luz que no se nombra
donde ángeles esbeltos, se sonrisa exquisita,
cargada de misterio, se ve bajo la sombra
de glaciales y pinos que el paisaje suscita"
(Baudelaire)
"Mona Lisa sigue seduciendo y hechizando después de más de trescientos años. Miles de hombres de todas las edades y diferentes idiomas se han apelotonado alrededor de este cuadro. Se han sentido inflamados por esos ojos límpidos y ardientes. Han oído palabras de engaño en esos labios traicioneros. Se han ido con ese dardo envenenado en el corazón y lo han difundido por los cuatro puntos cardinales. Mientras queden vestigios de esa belleza fabulosa y fatal, todos los que ansían descifrar los misterios del alma en los rasgos de un rostro correrán hacia ella, eternamente joven para pedirle la solución del enigma eterno. ¡Los enamorados, los poetas, los soñadores van a morir a sus pies! Nuestra desesperación y nuestra muerte no borrarán de esa boca burlona la encantadora sonrisa, la implacable sonrisa que promete el éxtasis y niega la felicidad"
Jules Michelet
" Lo que inquieta de esta imagen es el alma que transparenta, que se asoma para contemplar la nuestra y lee en nuestros ojos con noble serenidad mientras nosotros tratamos inútilmente de leer en los suyos."
George Sand.
La Mona Lisa: el retrato de una joven, en contraposto, No lleva joyas, sonríe…nos mira. No es una escena impactante, es solo una mujer que sonrie y nos mira.
Sus dimensiones 77x 53 cm. es pequeña. Ocupa el número779 del inventario del Louvre.
Mona Lisa necesitó a Leonardo. La gestación del mito de la Mona Lisa exigía la construcción de mito de Leonardo, y no al revés. Su verdadero secreto no esta en la pintura, sino en el pintor, en ella vemos el genio del pintor, el alma de un maestro. Sentimos que el genio, el maestro, está vivo que nos habla a nosotros, me habla a mí. Y en este dialogo no hay mediadores, ni tiempo me comunico directamente con el creador.
Mona lisa llega a nosotros desde la profundidades del pasado (Grecia, Roma...) no se puede poseer pero no porque pertenezca a otro hombre o sea de otra clase social, tampoco porque sea recatada y pura; ella pertenece a Dios y a la religión, por eso es tan peligrosa. En ella no hay coquetería, no tiene mascaras, ella es serena... Leonardo entiende que la mujer tiene dignidad y que su sexualidad es solo un componente.
Tal vez, me dice un amigo, sobrevalorado, pero es el cuadro más famoso del mundo, Rafael y Vasari lo tenían por una obra maestra, un cuadro tantas veces copiado y los artistas ya lo sabían.
El prestigio actual de la Gioconda obedece, quizás, a una serie de acontecimientos, Leonardo que lo pintó; Fancesco Del Giocondo que lo encargó; Francisco I que llevó a Leonardo a Francia. La transformación del palacio del Louvre en un museo abierto al público. Los intelectuales que difundieron su enigmática sonrisa, y la idea de que tenía poderes. Vincenzo Peruggia que la robó, Malraux y De Gaulle, que la utilizaron como representación de la cultura francesa, la prensa, por escribir sobre ella; cantantes, dibujantes, los que la deformaron y se burlaron de ella, los buscadores de enigmas, Todos los que vieron esos ojos…y hablaron de ellos.
Nadie sabe por que sonríe…yo tampoco.
http://www.minijuegos.com/Mona-Make-Over/944
Gracias!!! DISI jejejejejej
jueves, 20 de enero de 2011
Tiziano
Al poco de morir Van Eyck, la Escuela Flamenca queda encabezada por, Petrus Christus, el cual recibe la visita de Antonello da Messina, el cual pasa un tiempo en Brujas, aprendiendo la técnica al óleo.
Cuando Messina regresa a Venecia, enseña a los venecianos las técnicas de los Van Eyck, entre los cuales se encuentra Giovanni Bellini, maestro muy importante en su generación, alumno suyo es Tiziano.
Tiziano aprende los secretos de los Van Ecky, los adapta a su manera personal, y crea así, una nueva forma de pintar al óleo, considerada la base de la pintura moderna.
En el año 1550 comenzaba el manierismo, un arte de temas rebuscados.
Pero centrándonos en Tiziano, tendríamos que distinguir entre antes de Tiziano y después de Tiziano. Antes se pintaba con colores vivos y con pinceles de punta aguzada, se daba importancia al detalle. Después los colores eran sucios formando un conjunto armónico, fue el primer artista pintor que descubre el valor de los colores “sordos, quebrados” Su frase a los alumnos era” ensucia tus colores” con la idea de eliminar estridencias. Tengamos en cuenta que en la vida real los colores no son puros. Fue el primero que vio y pinto el gris óptico.
Tiziano, pintaba con pinceles, pero también en las últimas fases del cuadro con los dedos, descuidaba el detalle en beneficio del tema en conjunto.
Pero como pintaba Tiziano??.
Ver empezar el cuadro debió ser todo en espectáculo, “el lecho de la pintura” le llamaba algo fascinante...Su discípulo Jacobo Palma nos lo explica de esta manera:
“Extendía sobre el lienzo una capa de un determinado color que le servía de base, para lo que quería expresar. Yo mismo he visto este fondo, intenso todo igual pintado con solo terra rosse. Después con el mismo pincel cargado primero con pintura roja, después con pintura negra y después amarilla, realzaba las partes oscuras, medias y claras y en cuatro pinceladas le salían unas figuras extraordinariamente bien hechas”.
Era una maravilla, como vemos Tiziano, pintaba a medio empaste, con pintura densa, con la visión y la espontaneidad del artista de hoy.
Tras todo esto Tiziano , colocaba el cuadro cara a la pared y lo dejaba allí semanas incluso meses.
Según nos cuenta Jacobo Palma, “hasta que un día lo tomaba , lo contemplaba críticamente, como si fuera un enemigo mortal, y trabajaba lo que no le gustaba con la agudeza de un cirujano”, resolvía el modelado con series de veladuras..”SVELTURE?? TRENTA, QUARANTA!!!
Estas veladuras claras sobre fondo oscuro, eran comparables a un dibujo hecho con tizas de yeso difuminada con los dedos, así el color oscuro de la pizarra es visible, por transparencia a través del color claro de la tiza”.
El cuadro era acabado con sesiones de pintura directa, a medio empaste y pleno empaste y con restregados de pincel (frottis)
Cuando Messina regresa a Venecia, enseña a los venecianos las técnicas de los Van Eyck, entre los cuales se encuentra Giovanni Bellini, maestro muy importante en su generación, alumno suyo es Tiziano.
Tiziano aprende los secretos de los Van Ecky, los adapta a su manera personal, y crea así, una nueva forma de pintar al óleo, considerada la base de la pintura moderna.
En el año 1550 comenzaba el manierismo, un arte de temas rebuscados.
Pero centrándonos en Tiziano, tendríamos que distinguir entre antes de Tiziano y después de Tiziano. Antes se pintaba con colores vivos y con pinceles de punta aguzada, se daba importancia al detalle. Después los colores eran sucios formando un conjunto armónico, fue el primer artista pintor que descubre el valor de los colores “sordos, quebrados” Su frase a los alumnos era” ensucia tus colores” con la idea de eliminar estridencias. Tengamos en cuenta que en la vida real los colores no son puros. Fue el primero que vio y pinto el gris óptico.
Tiziano, pintaba con pinceles, pero también en las últimas fases del cuadro con los dedos, descuidaba el detalle en beneficio del tema en conjunto.
Pero como pintaba Tiziano??.
Ver empezar el cuadro debió ser todo en espectáculo, “el lecho de la pintura” le llamaba algo fascinante...Su discípulo Jacobo Palma nos lo explica de esta manera:
“Extendía sobre el lienzo una capa de un determinado color que le servía de base, para lo que quería expresar. Yo mismo he visto este fondo, intenso todo igual pintado con solo terra rosse. Después con el mismo pincel cargado primero con pintura roja, después con pintura negra y después amarilla, realzaba las partes oscuras, medias y claras y en cuatro pinceladas le salían unas figuras extraordinariamente bien hechas”.
Era una maravilla, como vemos Tiziano, pintaba a medio empaste, con pintura densa, con la visión y la espontaneidad del artista de hoy.
Tras todo esto Tiziano , colocaba el cuadro cara a la pared y lo dejaba allí semanas incluso meses.
Según nos cuenta Jacobo Palma, “hasta que un día lo tomaba , lo contemplaba críticamente, como si fuera un enemigo mortal, y trabajaba lo que no le gustaba con la agudeza de un cirujano”, resolvía el modelado con series de veladuras..”SVELTURE?? TRENTA, QUARANTA!!!
Estas veladuras claras sobre fondo oscuro, eran comparables a un dibujo hecho con tizas de yeso difuminada con los dedos, así el color oscuro de la pizarra es visible, por transparencia a través del color claro de la tiza”.
El cuadro era acabado con sesiones de pintura directa, a medio empaste y pleno empaste y con restregados de pincel (frottis)
miércoles, 19 de enero de 2011
Uso del blanco
Ya he hablado antes del blanco, en las acuarelas, muchos aficionados caen en la trampa , debido al mal uso del blanco y el negro, al ser mezclados con otros colores; al creer que cualquier color se puede aclarar con blanco y oscurecer con negro.
Tal vez , se nos olvida que pintando en acuarela, el blanco no existe; la acuarela es transparente; para pintar el cielo azul, lo podemos aclarar con agua, así se transparenta más el blanco del papel.
Pintando al óleo; el blanco es un color; el óleo es opaco. Para pintar un azul cielo hay que mezclar pintura azul con pintura blanca. La pintura blanca es un componente básico (50% junto con el negro) en la obtención del gris.
Añadir blanco a un color supone en principio y en teoría -y desgraciadamente en la práctica- virar ese color hacia el gris.
¿Conocéis el experimento del café?? Si tomamos dos vasos de agua iguales con la misma cantidad de café en ambos, y se añade en uno de ellos agua y en el otro leche, podremos ver que el agua aclara el color café variándolo a rojo, anaranjado, oro…
Reaccionando en forma parecida a la mezcla con agua de un color transparente como la acuarela; mientras que, en el otro vaso, la leche transforma el color del café en un siena sucio, ocre sucio.
Esto nos permite recordar y comprender una norma sumamente importante:
"No es solo con blanco que
Se obtiene un color más claro"
Tal vez , se nos olvida que pintando en acuarela, el blanco no existe; la acuarela es transparente; para pintar el cielo azul, lo podemos aclarar con agua, así se transparenta más el blanco del papel.
Pintando al óleo; el blanco es un color; el óleo es opaco. Para pintar un azul cielo hay que mezclar pintura azul con pintura blanca. La pintura blanca es un componente básico (50% junto con el negro) en la obtención del gris.
Añadir blanco a un color supone en principio y en teoría -y desgraciadamente en la práctica- virar ese color hacia el gris.
¿Conocéis el experimento del café?? Si tomamos dos vasos de agua iguales con la misma cantidad de café en ambos, y se añade en uno de ellos agua y en el otro leche, podremos ver que el agua aclara el color café variándolo a rojo, anaranjado, oro…
Reaccionando en forma parecida a la mezcla con agua de un color transparente como la acuarela; mientras que, en el otro vaso, la leche transforma el color del café en un siena sucio, ocre sucio.
Esto nos permite recordar y comprender una norma sumamente importante:
"No es solo con blanco que
Se obtiene un color más claro"
martes, 18 de enero de 2011
Juan Van Eyck "Juan de Brujas"
"Tendrás tu taller donde ninguna persona te moleste, y que tenga una sola vantana. Cerca de esta ventana colocarás tu pupitre como para escribir"
Cennino Cennini (1390)
En 1410, al norte de Bélgica, en la cuidad de Brujas. Un joven pintor de veinte años llamado Juan van Eyck, puso a secar al sol un cuadro pintado al temple y tratado con aceites, tal como recomendaba el monje Theophile. Y he aquí que a los dos días, cuando fue a ver el cuadro para comprobar la mancha del secado, comprobó con disgusto que la pintura se había cuarteado.
Según se cuenta desde aquel día van Eyck no descansó hasta hallar un aceite que se secara a la sombra. Tardó mucho tiempo, pero, por fin, después de probar con aceites y resinas de todas especies encontró que mezclando una pequeña parte de barniz blanco de Brujas con aceite de linaza obtenía una mezcla que le permitía secar sus pinturas a la sombra.
Van Eyck empezó a pintar con barniz blanco de Brujas y aceite de linaza, aglutinando con ellos las mismas tierras usadas en el temple.
Había nacido la pintura REY: la pintura al Óleo. Y van Eyck había descubierto el mejor medio para pintar.
Este hombre era sin duda alguien fuera de serie. Cuando tenía treinta años empezó un movimiento de rebeldía, contra los prejuicios y convencionalismos de la pintura gótica.
Cennino Cennini escribe un libro (El libro del arte) en el explica paso a paso todos los materiales y estilos que existieron en la pintura durante los siglos XIV y XV, de esta manera podemos reconstruir la manera de pintar De Juan van Eyck y los artistas de la Escuela Flamenca.
Dice Cennini: ”Elegirás un papel de tilo o de sauce sin defectos. Tomarás cola hecha de recortes de pergamino, y la pondrás a hervir hasta que de tres partes quede reducida a una parte. Probarás esta cola con la palma de la mano y cuando sientas que una palma se pega a la otra, piensa que entonces la cola es buena…”
“Sobre el tablero se aplicaban seis capas de cola y varias tiras de paño de lino viejo. El tablero se ponía a secar y se aplicaba luego una capa de yeso Volterra y cola. Nuevo secado y otras capas de Gesso sottile. Finalmente se pulía con polvo de carbón y piedra pomez, hasta lograr un acabado blanco, duro y liso como el marfil.”
Esto les llevaba varios días y ponían en párctica la siguiente técnica para pintar al óleo.
Iniciaban la construcción, primero dibujando a carboncillo.” Tomarás el carbón de sauce y dibujaras poco a poco y encima repasarás el dibujo con un pincel de punta aguda, mojado en esencia y en esta que Florencia se llama Verdaccio (Una mezcla de, blanco, negro y ocre)
Encima de este dibujo se aplicaba una fina capa del mismo color Verdaccio, se trabajaban cuidadosamente las sombras, luces y reflejos hasta llegar a la perfecta aguada monocromada.
Jan Van Eyck "Retrato de Giovanno Arnolfini y su esposa" Galeria Nacional de LOndres.
Un cuadro que hoy en día calificariamos de hiperrealista, pero no nos olvidemos que esta minuciosudad se conseguia con los medios antes mencionados, y varias capas de color o veladuras.
Cennino Cennini (1390)
En 1410, al norte de Bélgica, en la cuidad de Brujas. Un joven pintor de veinte años llamado Juan van Eyck, puso a secar al sol un cuadro pintado al temple y tratado con aceites, tal como recomendaba el monje Theophile. Y he aquí que a los dos días, cuando fue a ver el cuadro para comprobar la mancha del secado, comprobó con disgusto que la pintura se había cuarteado.
Según se cuenta desde aquel día van Eyck no descansó hasta hallar un aceite que se secara a la sombra. Tardó mucho tiempo, pero, por fin, después de probar con aceites y resinas de todas especies encontró que mezclando una pequeña parte de barniz blanco de Brujas con aceite de linaza obtenía una mezcla que le permitía secar sus pinturas a la sombra.
Van Eyck empezó a pintar con barniz blanco de Brujas y aceite de linaza, aglutinando con ellos las mismas tierras usadas en el temple.
Había nacido la pintura REY: la pintura al Óleo. Y van Eyck había descubierto el mejor medio para pintar.
Este hombre era sin duda alguien fuera de serie. Cuando tenía treinta años empezó un movimiento de rebeldía, contra los prejuicios y convencionalismos de la pintura gótica.
Cennino Cennini escribe un libro (El libro del arte) en el explica paso a paso todos los materiales y estilos que existieron en la pintura durante los siglos XIV y XV, de esta manera podemos reconstruir la manera de pintar De Juan van Eyck y los artistas de la Escuela Flamenca.
Dice Cennini: ”Elegirás un papel de tilo o de sauce sin defectos. Tomarás cola hecha de recortes de pergamino, y la pondrás a hervir hasta que de tres partes quede reducida a una parte. Probarás esta cola con la palma de la mano y cuando sientas que una palma se pega a la otra, piensa que entonces la cola es buena…”
“Sobre el tablero se aplicaban seis capas de cola y varias tiras de paño de lino viejo. El tablero se ponía a secar y se aplicaba luego una capa de yeso Volterra y cola. Nuevo secado y otras capas de Gesso sottile. Finalmente se pulía con polvo de carbón y piedra pomez, hasta lograr un acabado blanco, duro y liso como el marfil.”
Esto les llevaba varios días y ponían en párctica la siguiente técnica para pintar al óleo.
Iniciaban la construcción, primero dibujando a carboncillo.” Tomarás el carbón de sauce y dibujaras poco a poco y encima repasarás el dibujo con un pincel de punta aguda, mojado en esencia y en esta que Florencia se llama Verdaccio (Una mezcla de, blanco, negro y ocre)
Encima de este dibujo se aplicaba una fina capa del mismo color Verdaccio, se trabajaban cuidadosamente las sombras, luces y reflejos hasta llegar a la perfecta aguada monocromada.
Jan Van Eyck "Retrato de Giovanno Arnolfini y su esposa" Galeria Nacional de LOndres.
Un cuadro que hoy en día calificariamos de hiperrealista, pero no nos olvidemos que esta minuciosudad se conseguia con los medios antes mencionados, y varias capas de color o veladuras.
Sección dorada
En la antigua Roma, hubo un célebre arquitecto, de nombre Marco Vitruvio, que estableció la “Ley de la sección dorada”.
Esta nos dice:
"Para que un espacio dividido en partes desiguales resulte agradable y estético, deberá haber entre la parte más pequeña y la mayor, la misma relación que entre esta y la mayor”.
Su expresión aritmética es igual a 1,618., para hallar la división ideal, debemos de poner en practica esta formula
Multiplique el ancho de la tela por el factor 0,618 y obtendrá automáticamente la división de la sección dorada. Por último, repitiendo la operación respecto al alto de la tela, obtendrá un punto considerado IDEAL para situar el elemento principal de su cuadro.
Tomando el cuadro de Velázquez “La adoración de los reyes Magos”, tenemos la cabeza del Niño Jesús, justamente en el punto exacto de la sección dorada.
El cuadro de Velázquez mide 200 x125 cm. Multiplicando 200 por 0,618, obtenemos en números redondos 123; y multiplicando 125 por 0,618, tendremos 77. En el cruce de estas medidas se halla el punto de la sección dorada. Este mismo punto puede situarse a derecha o izquierda, arriba o abajo.
Esta nos dice:
"Para que un espacio dividido en partes desiguales resulte agradable y estético, deberá haber entre la parte más pequeña y la mayor, la misma relación que entre esta y la mayor”.
Su expresión aritmética es igual a 1,618., para hallar la división ideal, debemos de poner en practica esta formula
Multiplique el ancho de la tela por el factor 0,618 y obtendrá automáticamente la división de la sección dorada. Por último, repitiendo la operación respecto al alto de la tela, obtendrá un punto considerado IDEAL para situar el elemento principal de su cuadro.
Tomando el cuadro de Velázquez “La adoración de los reyes Magos”, tenemos la cabeza del Niño Jesús, justamente en el punto exacto de la sección dorada.
El cuadro de Velázquez mide 200 x125 cm. Multiplicando 200 por 0,618, obtenemos en números redondos 123; y multiplicando 125 por 0,618, tendremos 77. En el cruce de estas medidas se halla el punto de la sección dorada. Este mismo punto puede situarse a derecha o izquierda, arriba o abajo.
sábado, 15 de enero de 2011
Dibujo decorativo
“Una característica distintiva de la pintura japonesa es la fuerza de la pincelada (…).Al representar un objeto que sugiere fuerza, por ejemplo un acantilado rocoso, el pico o las garras de un tigre o los troncos y ramas de un árbol, en el momento en que se aplica el pincel el sentimiento, de fuerza debe ser invocado y sentido a través de todo el sistema nervioso del artista e impartido por su brazo y mano al pincel, de modo que se transmita al objeto pintado”
Henry P. Bowie
En las leyes de la pintura japonesa, 1911.
Un dibujo, no es necesario que sea idéntico al mundo que vemos puede ser solo decorativo.
En las láminas japonesas, aun siendo dibujos bidimensionales nos llama la atención que tengan movimiento.
Durante mucho tiempo en Occidente se pasa por alto la factura del cuadro, de esta forma se anula la huella personal del artista. Los orientales han valorado esa huella como la expresión propia del hombre y la han dominado, para transmitir sus sensaciones: miedo, energía, seguridad etc. Todo esto se perciben por el trazo y el espectador queda atrapado.
Líneas planas decorado superficies planas y no es necesario vincularlas a lo figurativo. Los artistas islámicos experimentan permutaciones muy refinadas del dibujo abstracto. Tal vez la prohibición de no representar seres vivos, nunca se cumplió estrictamente, y favoreció la larga tradición del arte no figurativo, sus estructuras hacen pensar en algún complejo sistema matemático.
Un día, una señora que visitaba al pintor Matisse en su estudio hizo el siguiente comentario:”Estoy convencida de que el brazo de esta mujer es demasiado largo.” Matisse respondió cortésmente:”Madame, está usted equivocada. Esto no es una señora, esto es un cuadro”
Henry P. Bowie
En las leyes de la pintura japonesa, 1911.
Un dibujo, no es necesario que sea idéntico al mundo que vemos puede ser solo decorativo.
En las láminas japonesas, aun siendo dibujos bidimensionales nos llama la atención que tengan movimiento.
Durante mucho tiempo en Occidente se pasa por alto la factura del cuadro, de esta forma se anula la huella personal del artista. Los orientales han valorado esa huella como la expresión propia del hombre y la han dominado, para transmitir sus sensaciones: miedo, energía, seguridad etc. Todo esto se perciben por el trazo y el espectador queda atrapado.
Líneas planas decorado superficies planas y no es necesario vincularlas a lo figurativo. Los artistas islámicos experimentan permutaciones muy refinadas del dibujo abstracto. Tal vez la prohibición de no representar seres vivos, nunca se cumplió estrictamente, y favoreció la larga tradición del arte no figurativo, sus estructuras hacen pensar en algún complejo sistema matemático.
Un día, una señora que visitaba al pintor Matisse en su estudio hizo el siguiente comentario:”Estoy convencida de que el brazo de esta mujer es demasiado largo.” Matisse respondió cortésmente:”Madame, está usted equivocada. Esto no es una señora, esto es un cuadro”
miércoles, 12 de enero de 2011
Karel Appel
"Estoy haciendo una vigorosa obra primitiva, más vigorosa que la de los artistas negros y la de Picasso.¿Por qué?Porque yo sigo el siglo XX, procedo de Picasso...He atravesado el muro de la abstracción, del surrealismo, etc. Mi obra lo contiene todo.No tienes que sentirte encerrado en un compartimento."
Karel Appel Carta a Corneille
Navidad de 1947-1948
Creeping cat
Karel Appel Carta a Corneille
Navidad de 1947-1948
Creeping cat
Karel Appel (Amsterdam 1921) es quizás el pintor más conocido del grupo cobra(bautizado así por las primeras letras de las ciudades de donde procedían sus miembros -Copenhague, Bruselas y Ámsterdam). La serpiente cobra, peligrosísima y sagrada a la vez, fue elegida como símbolo de este movimiento combativo nacido después de la Segunda Guerra Mundial en los países Bajos y en los nórdicos. Sus miembros entendían la expresión creadora como un derecho universal y la herramienta reconstructora de un mundo mejor.La pintura del grupo se caracterizaba por unos trazos espontáneos, vitalistas e impulsivos, reivindicando la libertad artística total. El mismo Appel manifestó este espíritu contundente " pinto como un bárbaro para estos tiempos bárbaros ". El enorme mural creado en 1949 para el Ámsterdam City Hall causó tal polémica que se mantuvo oculto durante una década.
Bebieron de las fuentes primigenias de la creatividad humana aún no contaminadas por las normas y convenciones occidentales: Tótems y signos mágicos de culturas primitivas, la caligrafía oriental, arte prehistórico y medieval, arte popular, arte naïf y creaciones de niños y personas con discapacidades psíquicas. Buscaban una regresión consciente a esas imágenes arquetípicas que el psiquiatra suizo Carl Gustav Jung localiza en las capas más profundas del subconsciente.
martes, 11 de enero de 2011
Trazos, Gestos ,Pasión...
"Para nosotros, el gesto ya no será un momento fijado del dinamismo universal; será decididamente la sensación dinámica eternizada como tal"
Manifiesto ténico de la pintura futurista,1910
Si nos dejamos llevar por el trazo, nos vamos a un segundo nivel perceptivo" El táctil", existen obras en las que el artista parece dirigirse directamente al espectador y es atrapado por los materiales invitándole incluso a tocarlos, estamos en un nivel en el que el impacto físico es superior, si tenemos en cuenta que el tacto es el más primario sentido del ser humano.
El artista a través del trazo se adentra en un trabajo de auto conocimiento personal. Por el gesto libera su propia energía y con ella sus pasiones. De esta manera es su caligrafía que revela su personalidad.
Por lo tanto se adentran en métodos que fomentan el descontrol, la pintura automática, La pintura en acción.
Action painting (pintura en acción) este término lo aplico por primera vez el crítico Harold Rosenberg Para definir a un grupo de pintores norteamericanos que floreció en la década de 1950, los cuales consideraban el cuadro un espacio de acción. Los pintores de acción valoraron el proceso por encima del contenido, la expresión subjetiva e inconsciente, la ejecución espontánea, el accidente, el azar. Influenciados por artistas surrealistas europeos.
Pillen De kooning, dejo fluir el inconsciente a través de una representación de la figura femenina de ejecución salvaje, desde el desgarro y la pasión.
Estos pintores desean comunicar al espectador la autentica actividad de la pintura, invitar a participar indirectamente en la experiencia física del pintor.
Jackson Pollock deja gotear pintura, arrojándola sobre el lienzo y esparciendo la en un lienzo puesto en el suelo. El resultado es agradable pero deja testimonio de la acción del cuerpo del pintor.
Franz Kline trabaja con el pincel de una forma más convencional, con un pincel muy grande cargado de pintura, manejándolo libremente trazando líneas enérgicas sobre un gran lienzo.
Manifiesto ténico de la pintura futurista,1910
Si nos dejamos llevar por el trazo, nos vamos a un segundo nivel perceptivo" El táctil", existen obras en las que el artista parece dirigirse directamente al espectador y es atrapado por los materiales invitándole incluso a tocarlos, estamos en un nivel en el que el impacto físico es superior, si tenemos en cuenta que el tacto es el más primario sentido del ser humano.
El artista a través del trazo se adentra en un trabajo de auto conocimiento personal. Por el gesto libera su propia energía y con ella sus pasiones. De esta manera es su caligrafía que revela su personalidad.
Por lo tanto se adentran en métodos que fomentan el descontrol, la pintura automática, La pintura en acción.
Action painting (pintura en acción) este término lo aplico por primera vez el crítico Harold Rosenberg Para definir a un grupo de pintores norteamericanos que floreció en la década de 1950, los cuales consideraban el cuadro un espacio de acción. Los pintores de acción valoraron el proceso por encima del contenido, la expresión subjetiva e inconsciente, la ejecución espontánea, el accidente, el azar. Influenciados por artistas surrealistas europeos.
Pillen De kooning, dejo fluir el inconsciente a través de una representación de la figura femenina de ejecución salvaje, desde el desgarro y la pasión.
Estos pintores desean comunicar al espectador la autentica actividad de la pintura, invitar a participar indirectamente en la experiencia física del pintor.
Jackson Pollock deja gotear pintura, arrojándola sobre el lienzo y esparciendo la en un lienzo puesto en el suelo. El resultado es agradable pero deja testimonio de la acción del cuerpo del pintor.
Franz Kline trabaja con el pincel de una forma más convencional, con un pincel muy grande cargado de pintura, manejándolo libremente trazando líneas enérgicas sobre un gran lienzo.
lunes, 10 de enero de 2011
Genios II
El término de genio ya no es favorito entre los académicos, Pero sigue siendo bastante popular tal vez algo machacado. Tenemos necesidad de genio, aunque nos produzca incomodidad o tal vez envidia. Posiblemente anhelamos lo trascendental, lo extraordinario. Pero esta herencia común nos abandona con lentitud y creo que nunca eternamente. Todos sabemos la diferencia entre talento y genio .El talento era el dinero que sin importar cuan grande fuese, era ilimitado. Pero Genio, incluso en sus orígenes lingüísticos, no tiene límites.
”Es una fuente en la cual hay más detrás que lo que emana de ella”
Se supone que cada uno de nosotros puede localizar en si mismo lo que es mejor ¿Pero como encontramos lo más antiguo? ¿Dónde empieza el yo?
Nuestro reconocimiento del genio siempre es retrospectivo ¿pero en que momento se reconoce el genio a sí mismo por primera vez?
La respuesta antigua es que hay un dios en nuestro interior y el dios habla. La definición materialista de genio es imposible, esta es la razón por la que la idea de genio está tan desacreditada en la época de predominio materialista.
El genio invoca lo trascendental y lo extraordinario y es plenamente consciente de ello.
Es la conciencia lo que define el genio. El genio autentico tiene la cualidad de absorbernos. Absorber, atraer toda nuestra atención e interés, consumir enteramente
Que es lo que se aprecia en el genio? Todo esta en nuestro interior, son verdades que estan desde siempre, es Dios el que desde nuestro interior responde al Dios del exterior.
“Al ser tocada por lo verdaderamente sublime, el alma se exalta naturalmente, se eleva hasta la orgullosa altura, se llena de jubilo y jactancia, como si ella misma hubiese creado esta cosa al oído”.
Tal vez no este de moda, lo trascendental, lo divino. Pero creo que todos tenemos la esperanza de encontrarnos con lago extraordinario.
No sabemos por qué ni como es posible el genio, sólo que ha existido y que quizas, cada vez menos sigue apareciendo, muchos son los impostores que dicen que el genio es un mito.
El romano antiguo presenta una ofrenda a su genios el día de su cumpleaños dedicándole ese día al dios de la naturaleza humana, como llamaba el poeta Horacio al espíritu tutelar de cada persona. Nuestra costumbre de la tarta de cumpleaños desciende directamente de esta ofrenda. Cuando encendamos las velas, haríamos bien en recordar qué es lo que celebramos.
”Es una fuente en la cual hay más detrás que lo que emana de ella”
Se supone que cada uno de nosotros puede localizar en si mismo lo que es mejor ¿Pero como encontramos lo más antiguo? ¿Dónde empieza el yo?
Nuestro reconocimiento del genio siempre es retrospectivo ¿pero en que momento se reconoce el genio a sí mismo por primera vez?
La respuesta antigua es que hay un dios en nuestro interior y el dios habla. La definición materialista de genio es imposible, esta es la razón por la que la idea de genio está tan desacreditada en la época de predominio materialista.
El genio invoca lo trascendental y lo extraordinario y es plenamente consciente de ello.
Es la conciencia lo que define el genio. El genio autentico tiene la cualidad de absorbernos. Absorber, atraer toda nuestra atención e interés, consumir enteramente
Que es lo que se aprecia en el genio? Todo esta en nuestro interior, son verdades que estan desde siempre, es Dios el que desde nuestro interior responde al Dios del exterior.
“Al ser tocada por lo verdaderamente sublime, el alma se exalta naturalmente, se eleva hasta la orgullosa altura, se llena de jubilo y jactancia, como si ella misma hubiese creado esta cosa al oído”.
Tal vez no este de moda, lo trascendental, lo divino. Pero creo que todos tenemos la esperanza de encontrarnos con lago extraordinario.
No sabemos por qué ni como es posible el genio, sólo que ha existido y que quizas, cada vez menos sigue apareciendo, muchos son los impostores que dicen que el genio es un mito.
El romano antiguo presenta una ofrenda a su genios el día de su cumpleaños dedicándole ese día al dios de la naturaleza humana, como llamaba el poeta Horacio al espíritu tutelar de cada persona. Nuestra costumbre de la tarta de cumpleaños desciende directamente de esta ofrenda. Cuando encendamos las velas, haríamos bien en recordar qué es lo que celebramos.
Oido hace tiempo.
En un lejano país existió hace muchos años una ovejita roja.
Fue fusilada
Un siglo después, el rebaño arrepentido le levantó una estatua ecuestre que quedó muy bien en el parque.
Así, en lo sucesivo, cada vez que aparecían ovejas rojas eran rápidamente pasadas por las armas para que futuras generaciones de ovejas comunes y corrientes pudieran ejercitarse también en la escultura.
Fue fusilada
Un siglo después, el rebaño arrepentido le levantó una estatua ecuestre que quedó muy bien en el parque.
Así, en lo sucesivo, cada vez que aparecían ovejas rojas eran rápidamente pasadas por las armas para que futuras generaciones de ovejas comunes y corrientes pudieran ejercitarse también en la escultura.
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